L’exposition que la Cité de l’architecture et du patrimoine consacre aux globes m’a inspiré de nouvelles réflexions concernant l’espace dans l’enseignement, réflexions faisant suite à mon billet précédent où j’évoquais notamment l’idée de sortir de ces espaces.
Chers camarades,
En ce moment au Petit Palais, deux expositions susceptibles de vous intéresser. La première sur Oscar Wilde. On y apprend comment l’homme s’est constitué critique, esthète et homme de lettres. L’exposition se divise entre lettres, manuscrits avec envoi et tableaux de peintres qu’il a eu l’occasion de croiser au cours de sa vie et qu’il a critiqué, positivement ou non, avec ironie ou non.
Cette association entre tableaux et citation de critique le concernant est d’ailleurs sublime. La plume de Wilde est si belle qu’on se doit de relire parfois plusieurs fois la phrase pour comprendre si le commentaire est positif ou négatif. Un bel exercice de style. J’en sors quelques idées d’activités pédagogiques à utiliser en classe de fle.
Le seconde exposition, avec beaucoup moins de file d’attente concerne l’art de la paix. On peut y découvrir les archives du ministère des affaires étrangères. Des documents fabuleux. Le plus ancien est le serment de Strasbourg de 842, qui je pense nous avons tous étudié l’impact sur la langue française. Bref, on y apprend sur les relations diplomatiques de la France avec le reste du monde. Et relation politique va beaucoup de fois de pair avec politique linguistique…
http://www.petitpalais.paris.fr/expositions/en-cours
attention, ces expositions se terminent le 15 janvier.
Vous avez probablement remarqué d’immenses photographies dans les stations de métro. Les publicités pour des parcs d’attractions ou des sites de rencontres ont été remplacées par de magnifiques tirages très colorés, des photographies d’Harry Gruyaert. Le photographe belge expose en ce moment à la Maison Européenne de la Photographie en collaboration avec la RATP.
Je m’y suis rendue il y a déjà quelques semaines, je souhaitais rédiger un article mais le temps m’a quelque peu manqué. Je prends tout de même quelques minutes aujourd’hui pour vous conseiller vivement cette exposition parce que je pense qu’elle en vaut la peine.
J’avais l’impression que de nos jours la mode était au noir et blanc. L’effet est souvent plus grandiose, la magie du noir et blanc opère. Je dois dire que moi même je me laisse facilement séduire. Pourtant avec l’artiste dont il est question ici c’est différent :
« Harry Gruyaert photographie les couleurs, c’est sa façon de voir le monde. »
C’est ainsi que le texte introductif de l’exposition commence. Lors de la visite la promesse est tenue, la couleur est bien au rendez-vous. Cela faisait longtemps que je n’avais pas été aussi touchée par des images. Les photographies sont sublimes et les couleurs donnent aux clichés une force incroyable.
N’hésitez pas à vous rendre à la Maison Européenne de la Photographie avant le 14 Juin ou au moins à ouvrir l’œil dans le métro.
http://www.mep-fr.org/evenement/harry-gruyaert/
En entrant hier dans la première salle de l’exposition « Le bord des mondes » au Palais de Tokyo, un couple de visiteurs échangent devant le panneau qui explique que sont toutes ces roches qu’on voit tenir en équilibre sur un tapis gris
« – Ça me saoule de lire tout ça.
– viens, on regarde, c’est mieux. »
Cette conversation se déroule devant les Balancing rocks de Bridget Polk, et elle résume assez bien un des débats qui existent autour de l’art contemporain : l’œuvre actuelle serait celle qui ne peut plus se suffire à elle-même mais doit obligatoirement être accompagnée d’un discours pour qu’on puisse la comprendre ? Peut-on se contenter de voir alors même que ce n’est plus uniquement le voir qui nous permettra de juger une œuvre, étant donné que ce n’est plus sous les critères du beau et du désagréable qu’on classe une œuvre comme « artistique » ?
Selon Marc Jimenez (La querelle de l’art contemporain, Gallimard, 2005), malgré les bouleversements que les impressionnistes ont apporté aux canons esthétiques et malgré l’apparition de l’art abstrait au début du XXe, ce n’est qu’après Marcel Duchamp et ses ready-made qu’il y a eu un vrai basculement : « il ne s’agit plus seulement de transgresser les règles, ni de violer un quelconque tabou, mais de se situer délibérément au-delà de l’idée même de représentation. » (p. 52)
Les œuvres choisies par le Palais de Tokyo se situent résolument en dehors de l’idée classique de la représentation. Loin de proposer une vision du monde, elles construisent des mondes : c’est en expérimentant des théories plus surprenantes les unes que les autres que ces inventeurs proposent des objets qui nous invitent à expérimenter l’imagination qui les fait naître. Laurent Derobert invente une poésie mathématique capable de produire des algorithmes de ce qui devrait échapper au domaine du rationnel, comme l’amour ou le manque ; pensant que les objets ont le même droit d’existence que l’humain, Theo Jansen fabrique des structures capables d’avancer de manière autonome uniquement grâce à la force du vent, figures qu’il libère sur les plages de la Hollande, tous les étés, leur donnant aussi une mobilité et donc une indépendance existentielle ; Jerry Gretzinger construit une carte de son propre monde depuis cinquante ans qu’il étale par terre et sur laquelle on peut marcher en voyageant d’un continent à l’autre – il a même créé un jeu dont il tire une carte tous les jours pour savoir quelle ville ou quel monument il va y ajouter.
Loin d’un artiste contemporain comme Jeff Koons qui mobilise ouvriers et machines pour concevoir des monuments gigantesques qu’il fait exposer sans y avoir touché (notamment les inflatables comme le « Balloon Dog »), les « artistes » du bord des mondes sont des ouvriers : reprenant l’étymologie de l’art, ils deviennent des vrais artisans obsédés par certaines matières qu’ils travaillent à même l’endroit d’exposition, comme c’est le cas de Bridget Polk, qu’on peut voir construire des colonnes improbables de roches en équilibre du mercredi au dimanche à certaines heures du soir.
Ici l’œuvre est un lieu d’expérimentation : celle de l’artiste et du public dont la double participation fait advenir un certain monde. Traversant nous mêmes ces mondes auxquels nous n’appartenons que le temps d’une visite, nous ne sommes plus dans un statut de juges ou dans la simple pose de la réception. Artistiques ou pas, cela importe peu : ces œuvres captivent et intéressent par leur pouvoir imaginatif et innovant qui nous oblige à les questionner et à entrer dans leur univers. Devant ces systèmes de réalités si différents, les figures de l’artiste et de l’œuvre perdent leur hégémonie pour proposer une expérience nouvelle.
« À la différence de l’art moderne, victime de la ‘frénésie’ du nouveau, soucieux de rompre avec les canons académiques et les valeurs artistiques traditionnelles, l’art contemporain change profondément la signification de la transgression. Il ne s’agit plus, comme au temps de la modernité, de franchir les bornes de l’académisme ou celles, par exemple, des conventions bourgeoises dans l’espoir de rapprocher l’art et la vie. […]En fait, la question que pose l’art depuis une trentaine d’années n’est plus tant celle des frontières ou des limites assignables à la création que celle de l’inadéquation des concepts traditionnels – art, œuvre, artistes, etc. – à des réalités qui, apparemment, ne leur correspondent plus. » (p. 20-21)
Brisant cette barrière muséale entre l’artiste, l’œuvre et celui qui ne faisait avant que la regarder pour éventuellement sentir quelque chose, il se passe quelque chose de très corporel dans « Le bord des mondes ». Si ces œuvres sont exposées et pour autant intouchables, elles sont tout de même une proposition de contact : on pourrait s’habiller avec les créations de la S.A.P.E ou encore se faire coiffer par Charlie le Mindu, on pourrait aussi s’essayer à l’invention d’objets quotidiens assez pratiques mais tout compte fait, plutôt inutiles comme ceux de Kenji Kawakami, on pourrait interagir avec les robots « géminoïdes » d’Iroshi Ishiguro, qui a été jusqu’à se créer lui-même en machine.
L’œuvre change et ce qu’on en attend aussi. Conscient de cette participation active d’un spectateur qui n’en est plus un, le musée a mis en place des activités réelles, concrètes, comme celles de goûter aux plats créées par un chef étoilé comme Pierre Gagnaire : ici l’œuvre devient effectivement un bien consommable, qu’on peut ingurgiter et transformer nous-mêmes ; on peut aussi prendre rendez-vous avec Laurent Derobert qui reçoit dans un petit bureau blanc, dans la deuxième salle d’exposition pour se faire écrire ses problèmes et frustrations par son système mathématique.
Au-delà du simple intérêt quant au contenu qu’elle propose, cette exposition apporte quelque chose au débat autour d’un art contemporain assez méprisé par le grand public : peut-être que le meilleur moyen de briser cette hantise pour des œuvres « incompréhensibles » est de voir qu’il n’y a peut-être pas à les comprendre mais à les vivre ou à les expérimenter, établissant ainsi une continuité entre ces mondes et notre monde à nous.
« Le bord des mondes » exposition au Palais de Tokyo jusqu’au 5 mai 2015, http://www.palaisdetokyo.com/fr/le-bord-des-mondes
Du 18 octobre 2012 au 30 juin 2013 se tient au Musée du Jouet de Poissy une exposition rétrospective consacrée aux jouets créés par André Hellé: Drôles de jouets! André Hellé ou l’art de l’enfance. Conçue avec la collaboration de Béatrice Michielsen, et de l’Association des Amis d’André Hellé, cette exposition vise à faire connaître l’activité multiforme d’André Hellé dans le domaine de l’enfance, de l’imagerie aux jouets. L’exposition s’accompagne de nombreuses animations autour de cette œuvre fascinante.
Le parcours de l’exposition
À travers les collections permanentes du musée du Jouet et les prêts de la Bibliothèque nationale de France, du musée des Arts décoratifs, de la bibliothèque L’Heure joyeuse à Paris et de la maison Claude Debussy à Saint-Germain-en-Laye, l’exposition propose d’évoquer le « monde imaginaire » d’André Hellé en présentant ses propres créations ainsi que les jouets français et allemands de son enfance qui ne cessèrent de l’inspirer.
Un artiste d’avant-garde
Contemporain de Caran d’Ache, Benjamin Rabier ou bien encore Poulbot, c’est en artiste d’avant-garde qu’André Hellé façonne, au fil de ses très nombreuses créations – jouets en bois, albums, imagerie, mobiliers, décors – un univers artistique épuré, favorable à l’épanouissement de l’enfant. André Hellé est également connu comme caricaturiste et humoriste de presse.
« Le petit maître de l’art enfantin »
Célébré par Francis Carco (1886-1958) et Guillaume Apollinaire (1880-1918) comme « l’un des précurseurs du Cubisme » aux « talents des plus cocasses », André Hellé est considéré comme l’un des inventeurs de l’album moderne et le « petit maître de l’art enfantin » selon Gustave Kahn (1859-1936), poète et critique.
Ré-édition d’un album d’André Hellé
Après le succès de la ré-édition en 2011 de l’album Drôles de bêtes par les éditions MeMo, cet éditeur soucieux de faire connaître les plus belles pages des oeuvres illustrées par l’artiste, publiera à l’approche de Noël, un second album : L’Histoire d’une boîte à joujoux, inspirée du ballet pour enfants La boîte à joujoux, mis en musique par Debussy en 1913 (1862-1918) sur un livret illustré d’André Hellé.
Le dossier de presse à cette adresse (avec beaucoup d’illustrations): http://www.ville-poissy.fr/fileadmin/documents/loisirs/vie_culturelle/musee_du_jouet/HELLE_DOSSIER_DE_PRESSE.pdf
Professeur émérite de littérature contemporaine de langue française DILTEC (EA 2288) et THALIM (UMR 7172), Université Sorbonne Nouvelle Paris 3 Ecrivain sous le nom de Serge Ritman
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