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Méthode Tomatis: entraînement, évaluation, conclusion

L’entraînement mis en place par “Sound Sense” comprend 2 parties: la phase passive qui est centrée majoritairement sur l’écoute et la phase passive qui comprend l’écoute et la production.

La phase passive

La première partie c’est la phase passive dont le but est de “muscler” l’oreille. Il s’agit d’une sorte de gymnastique qui permet de tendre et de détendre les muscles de l’oreille et de stimuler ainsi tout le système auditif. L’oreille électronique provoque des contrastes sonores en changeant le timbre et l’intensité du son. Le but de l’écoute est de ‘surprendre’ le cerveau et d’attirer l’attention du stagiaire au changement brusque de l’intensité et des fréquences.

D’après Tomatis, il est important de faire la distinction des deux phases : active et passive. Il compare l’apprenant à un enfant qui écoute la voix de ses parents avant qu’il commence à parler. Pour lui, il nécessaire de développer d’abord une écoute attentive chez l’apprenant afin qu’il puisse reproduire les sons correctement.

Ainsi, afin de “muscler” l’oreille, les enseignants proposent à leurs stagiaires d’écouter la musique de Mozart non filtrée dans le casque à conduction osseuse 2 heures par jour pendant 13 jours. Tomatis explique que le choix de Mozart est lié à l’irrégularité rythmique de sa composition et que les contrastes musicaux de sa musique permettent de “surprendre” l’oreille et de la sensibiliser au changement fréquentiel. Il paraît que n’importe quelle autre musique pourrait être utilisée à ce propos, car Mozart bien évidemment n’est pas le seul compositeur dont les pièces ont une irrégularité rythmique. Mais les œuvres de Mozart faisant partie de la musique dite “classique”  peuvent posséder des qualités curatives et utilisées dans des traitements médicaux, ce qui est une pratique assez répandue aujourd’hui.

Pendant cette phase de l’écoute passive les stagiaires travaillent en autonomie à la maison. Leurs actions sont contrôlées à distance par l’enseignant à qui ils peuvent parler des sensations qu’ils éprouvent lors de l’écoute.

Cette phase devrait rendre le stagiaire plus attentif à la mélodie, au rythme, aux sons de la musique. Son attention doit être focalisée au maximum sur ce qu’il entend et sur les sensations qu’il éprouve en entendant tel ou tel son, car il devra pouvoir en parler à son coach après la séance. C’est une sorte de l’entraînement de l’attention de l’écoute. Le fait de devoir se concentrer sur les sons pendant 2 heures par jour peut demander beaucoup d’efforts de la part des stagiaires, surtout s’ils n’en ont pas l’habitude. Donc, forcément, cet entraînement devra leur permettre de garder plus d’attention plus longtemps pendant les cours de la phase active.

Phase active

Après cette phase préparatoire, les stagiaires ont un mois de pause pour qu’ils puissent s’habituer à la sonorité de nouvelles fréquences qu’ils ont appris à entendre. Ils doivent s’habituer à distinguer les moindres nuances sonores dans leur vie quotidienne. Ainsi, en reprenant les cours ils seront prêts à capter plus de détails des sons de la langue qu’ils veulent apprendre (de l’anglais dans ce cas-là).

La deuxième partie correspond à la phase active. Elle comprend la partie d’écoute et de reproduction. Les stagiaires écoutent la parole filtrée (on utilise les filtres passe-haut et passe-bas, c’est-à-dire que les stagiaires écoutent la parole dans les fréquences au-dessus et au-dessous de 700 Hz) et leur propre voix filtrée en même temps qu’ils produisent les phrases. D’après les partisans de cette méthode, nous n’avons pas l’habitude d’entendre notre propre voix, car à cause de la conduction osseuse notre voix nous semble être plus basse qu’elle ne l’est en réalité. C’est pourquoi, pour ne pas “choquer” les stagiaires par la sonorité réelle de leur voix, ils leur font écouter leur voix filtrée dans les fréquences de la langue qu’ils veulent apprendre.

« Il s’agit pratiquement de faire écouter à l’apprenant un message en langue étrangère filtré pour renforcer les zones fréquentielles qui ne sont pas utilisées dans sa propre langue. C’est cette différence de point de vue qui creuse le fossé entre la méthodologie verbo-tonale de correction phonétique en cours de langue qui opère une analyse “locale” par utilisation de “contextes favorisants” mettant en valeur les caractéristiques du son.» (Lauret, 1998 : 00)

Le type de support qui est le plus souvent utilisé c’est le texte du “Petit Prince” de Saint-Exupéry, car selon les enseignants c’est un texte universel, connu de tous les stagiaires, donc il est plus facile à exploiter.

Pendant tout l’apprentissage l’accent est mis surtout sur l’intonation, car l’utilisation de l’intonation appropriée assure une meilleure transmission du message. D’après les enseignants, une personne qui sait ajuster son intonation pourra être mieux comprise par ses interlocuteurs que la personne qui articule correctement les sons, mais qui n’utilise pas l’intonation appropriée. C’est pourquoi, une correction articulatoire n’est presque jamais mise en place par les enseignants.

Afin de sensibiliser l’apprenant au rythme et à l’intonation de l’anglais, les enseignants recourent à l’utilisation du filtre passe-bas, donc ils font entendre les basses fréquences au stagiaire. (Ici on peut faire le lien avec le fœtus qui n’entend que les basses fréquences et qui est plus sensible à l’intonation qu’aux sons particuliers de la parole.)

Les enseignants font parcourir tout l’ensemble des fréquences (“balayage”) aux stagiaires pour que leur oreille s’habitue à une large gamme de fréquences.

La phase active dure autant que la phase passive, c’est à dire, les élèves doivent s’entraîner 2 heures par jour pendant 13 jours. Ensuite, la phase active peut être répétée deux fois si le stagiaire le souhaite. Au bout de 3 répétitions, le cursus est considéré accompli, le résultat maximal est atteint.

Evaluation

Pour l’évaluation, les enseignants recourent au test de l’audiométrie comme au début du cursus. On peut y avoir plusieurs tests intermédiaires pour contrôler le progrès des apprenants.

Selon les praticiens de la méthode, les résultats du premier et du dernier test varient visiblement. Les apprenants font du progrès, ils arrivent à percevoir une plus large gamme de fréquences. Ils apprennent à focaliser leur attention sur de moindres différences sonores ce qui favorisent leur production et compréhension orale des langues étrangères (notamment de l’anglais dans le cas de “Sound Sense”).

Malheureusement, nous n’avons pas eu la possibilité de comparer les deux tests d’évaluation et nous ne pouvons pas savoir si la courbe osseuse descend comme le voulait Tomatis.

Il est à noter que l’audiogramme peut varier beaucoup en fonction de l’état psychologique et de l’attention de la personne à un moment donné. Il me semble que les sons qui apparaissent vers la fin du test peuvent être moins bien perçus à cause de la baisse de l’attention de la part de l’apprenant. Il faut se tenir compte que le test dure 45 minutes ce qui peut être assez fatigant pour lui.

Il est important de savoir que les clients de cette école ont déjà essayé d’autres méthodes dites “traditionnelles” de l’apprentissage des langues et apparemment n’ont pas acquis de résultats satisfaisants. Donc, ils considèrent l’école Tomatis comme leur “dernière chance” d’améliorer leur production en langue étrangère. Ainsi, ils sont très motivés pour montrer le progrès qu’ils ont fait, et il est possible qu’ils soient beaucoup plus concentrés pendant le test final que pendant le premier test.

Le but de l’apprentissage c’est non seulement de rendre les apprenants plus sensibles aux fréquences des autres langues mais aussi d’acquérir un accent neutre américain. Il faut dire que la suppression totale de l’accent n’est possible que dans de très rares cas. Généralement, les stagiaires apprennent à rendre leur accent un peu moins prononcé et arrivent à se servir des outils prosodiques afin de rendre leur discours plus compréhensible.

Conclusion

Le cursus proposé par les écoles Tomatis comprend non seulement l’entraînement acoustique mais aussi tout un travail psychologique. Grâce à un grand nombre de témoignages positifs, les stagiaires viennent ici en cherchant leur dernière chance d’améliorer leurs compétences en langues étrangères. Dans ces écoles ils ont la possibilité de parler de leurs problèmes à un coach de langue et peuvent profiter de son assistance permanente tout au long du cursus. Le coach leur permet de créer de la confiance en eux-mêmes et contribue à une meilleure motivation.

Il est difficile de dire ce qui influence davantage le progrès des apprenants : le travail de psychanalyse mené par le coach ou l’entraînement des organes auditifs. Ou peut-être, c’est l’ensemble des deux approches. Le plus important c’est que le progrès des stagiaires est remarquable et incontestable.

 

Sofiya Kobylyanskaya

Etudiante en Master 2 Didactique du français langue étrangère à l'Université Paris-3, Sorbonne Nouvelle

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Des expériences musicales avec van der Keuken

Brass Unbound /Cuivres débridés (106′ – 1993) Johan Van der Keuken 14/20

Le film du cinéaste Johan van der Keuken retrace plusieurs expériences musicales assez inédites pour le spectateur (auditeur) français qui souvent sépare les expériences “savantes” et “populaires” dans la tradition des deux cultures. Guillaume Kosmicki, lors d’une conférence à la Cité de la Musique en 2006 (texte intégral en pdf ici :http://guillaume-kosmicki.org/pdf/musiquespopulaires&musiquessavantes.pdf) montre, dans son introduction, combien la distinction est de plus enplus délicate :

Le propos de cette contribution est de se pencher sur la validité des deux catégories si couramment utilisées de « musiques savantes » et « musiques populaires », catégories que l’on devrait toujours s’empresser de mettre au pluriel, tant elles représentent en elles-mêmes déjà des réalités multiples, des « mondes de l’art » distincts comme les décrirait le sociologue Howard S. Becker. Force est de constater qu’aujourd’hui, et ce surtout depuis la deuxième moitié du XXème siècle, il semble de plus en plus difficile d’en situer les frontières exactes. Nous verrons si l’on peut alors parler d’une transmission de l’une à l’autre, ou d’une mutation générale. Nous verrons aussi qu’il conviendrait probablement, dans un avenir proche, de modifier ces définitions, et nous préciserons de quelle manière.

 

Le film de Keuken nous introduit dans l’expérience musicale de personnes concrètes dont on aperçoit très vite la condition quotidienne (tailleur du Népal, par exemple) et le milieu à travers les échanges (enfants présents et apprenant sans qu’on fasse “leçon” de musique) et les relations socio-économiques (musique pour un mariage) mais également symboliques voire religieuses (avant de “jouer”, il faut se recueillir…).

Le film fait cela comme en suivant l’expérience vraie de quelques “musiciens” professionnels ou pas et à travers leurs gestes musicaux dans toute leur ampleur: instrument et manière de le ranger, sortir, porter, placer; vêtement voire costume (casquette, par exemple); déplacement et position dans les lieux où ça joue; rapport avec l’environnement (public ou privé), etc. Autant d’attention où la relation construit l’écoute sans a priori.

Le film serait alors une illustration très parlante des réflexions de John Dewey et du chapitre “Vivre une expérience” car non seulement il propose un compte rendu des expériences de ces musiciens mais il nous fait vivre une expérience de partage musical assez inouï.

 

Un très beau texte critique sur ce film (à cette adresse: http://www.myspace.com/hervac/blog/348745134:
Brass Unbound, né de la rencontre du cinéaste avec l’anthropologue Rob Boonaier Ftaes raconte l’épopée des cuivres, symbole du joug culturel imposé par les coloniaux au Ghana et dans le Tiers-Monde et leur appropriation par les peuples colonisés. Avant tout, voyage musical, le film raconte comment les instruments se sont libérés de leurs maîtres, se sont détournés du christianisme qui les a importés et sont devenus les captifs bien aimés des pays conquis, l’accompagnement indispensable des fêtes et des rituels de la religion polythéiste.
De pays en pays, il montre comment les vestiges coloniaux sont intégrés à tous les événements publics et privés.
Tourné au Nepal, au Surinam, en Indonésie et au Ghana ce film est d’une telle liberté que seul Van der Keuken pouvait se permettre de tenter l’aventure. C’est un film vraiment surprenant car il est rare que des films se situant dans des régions du “Tiers monde” ne parlent pas de famine, de guerre ou de maladie. Ici, il s’agit de musique, de vie, de nature, de tradition. Attention, on n’est pas pour autant dans un film touristique. Van der Keuken est un immense cinéaste et un voyageur (le contraire d’un touriste). Ce film fait partie de la dernière partie de son oeuvre qui est d’une incroyable richesse (il mourra moins de dix ans plus tard). Cette période est plus sereine, moins engagée, plus contemplative mais VDK y est toujours curieux du monde et des gens. Formidable cadreur VDK sait ici saisir la formidable couleur de chacun des pays visités, les gestes, les coutumes et bien sûr la musique. C’est un film unique sans commentaires ni interview, sans explication, sans histoire, sans personnage, basé uniquement sur l’image et le son ce film est de plus tourné dans divers endroits du globe (comme il l’avait fait avec I love dollars). Comment tout cela tient-il ? Uniquement par le style et le génie du cinéaste. Chez VDK, le découpage, la mise en scène, le montage, tout se fait en direct et sans filet au tournage. Il crée en tournant comme un peintre crée en peignant ou un musicien de jazz improvise en jouant. On a l’impression que tout se fait, tout se réalise dans l’instant du tournage et c’est cela qui est magnifique. Il ne s’agit plus de capter simplement la réalité mais de la re-transcrire, la transformer à travers son propre regard. En cela il est avec Rouch et Mekas le plus grand créateur du cinéma documentaire. Magnifique par les images et le son, Brass Unboundn’est pas que cela. Au fil de ces mariages, enterrements et cérémonies diverses à travers le monde se profilent les fantômes du colonialisme. Reprenant le principe utilisé dans Face value, VDK sépare les images et le son, montrant une personne muette face à la caméra et faisant entendre sa voix, cela permet d’avoir la personne au naturel, perdu dans ses pensées et de cerner mieux son “moi” intérieur que si on la filmait simplement en train de parler. De même la voix non filmée est plus calme, plus posée, plus profonde que si la personne parlait face à la caméra. Très risqué dans son refus de toute narration, parfois abstrait, proche de l’expérimental (les inserts historiques), ce film n’a pas l’ambition d’être un film parfait, un chef-d’oeuvre. C’est simplement une improvisation folle, pleine de fulgurance, un film unique dans l’histoire du documentaire.

 

Neuf films de Johan Van Der Keuken

 

DVD 1
Cuivres Débridés / A la Rencontre de Swing – 1993 – 106 minutes
Sarajevo Film Festival – 1993 – 14 minutes
Temps / Travail – 1999 – 11 minutes
Johan Van der Keuken (Thierry Nouel) – 1999 – 52 minutes

DVD 2
Amsterdam Global Village – 1996 – 229 minutes

DVD 3
To Sang Fotostudio – 1997 – 33 minutes
Vivre avec les Yeux (Ramon Gieling)– 1997 – 55 minutes
Amsterdam afterbeat – 1996 – 16 minutes
L’Entretien (Thierry Nouel) – 1999 – 35 minutes

 

Serge Martin

Professeur de littérature contemporaine de langue française DILTEC (EA 2288) et THALIM (UMR 7172), Université Sorbonne Nouvelle Paris 3 Responsable du Master 2 DFLE spécialité 1 recherche Ecrivain sous le nom de Serge Ritman

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