BOICHARD Yolène
Les grands héros : la littérature adaptée pour les enfants ?
Descriptif :
J’ai décidé de m’appuyer sur la mise en relation de la littérature de jeunesse et de la “grande” littérature, à travers la représentation de grands héros littéraires (par exemple Cyrano de Bergerac, Ulysse, Robinson Crusoé…), dans un album ou un roman pour la jeunesse. J’aurais aimé étudier la découverte de ces héros, au sein d’une classe de fin de cycle 3, par la comparaison entre le héros dans l’œuvre originale (à partir d’extraits) et dans son adaptation.
Reste à déterminer précisément la notion de héros, et faire un choix parmi tous les héros littéraires possibles (classement par type, période…?).
Piste également autour des héros antiques dans une classe de grande section de Maternelle de X (enquête à venir).
Mots clés:
héros, héros littéraire, œuvre originale et adaptation
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Becquemont Maxime
Le rôle de l’environnement dans le racontage d’histoires à l’école.
Descriptif:
Je voudrais m’interroger sur les différents dispositifs qu’un enseignant peut mettre en place lorsqu’il raconte une histoire aux enfants. De plus, il serait interessant de faire des comparaisons de racontage en fonction du cycle (cycle 1, 2 ou 3) et de relever les grandes différences qui peuvent apparaitre.
Mon objectif principal sera donc de tenter de répondre à ces différentes questions :
Comment aménager une classe pour raconter efficacement une histoire aux enfants ?
Existe-t-il des aménagements plus efficaces que d’autres ?
Quels moyens (quelles techniques) peuvent être utilisés par un enseignant pour maintenir l’attention de tous les enfants ?
Quelles différences peut-on apporter selon l’âge des enfants ? (aménagement différent ? ambiance différente ?)
Je voudrais donc orienter fortement mon travail sur des notions telles que l’aménagement de la classe, l’ambiance ou encore les techniques de racontage.
(Cependant, je me demande si mon choix n’est pas trop restreint, trop précis.)
Je voudrais ainsi effectuer mes stages dans des classes de cycles différents afin de me rendre compte des différents moyens utilisés par les enseignants pour raconter une histoire aux enfants. (de préférence cycle 1 puis cycle 2 ou 3)
Mots clés: Racontage à l’école, Aménagement, Ambiance.
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BETTON Pauline
La danse contemporaine, ou l’art de la découverte et de l’expérience à l’école
“Enfant” de Boris Charmatz – Photo Boris Brussey http://www.museedeladanse.org/projets/le-petit-musee-de-la-danse/list
J’ai choisi de travailler sur la danse contemporaine, car c’est un sujet vaste et riche qui peut être abordé sous différents plans avec des enfants de tout âge. Je n’ai pas encore défini de cycle précis, je pense que la pratique de la danse contemporaine est abordable en cycle 1 comme en cycle 2 et 3.
Je pourrais me lancer dans une définition de la « danse contemporaine », mais cette discipline peut-elle précisément être définie ? Par un mot ? Une phrase ?
La danse contemporaine, c’est une discipline, ou plus précisément un art, qui se vit en son for intérieur, seul ou à plusieurs.
A travers mon éventuel projet d’étude à venir, je traiterai de la danse contemporaine en tant qu’art et non en tant que discipline sportive (même si les deux sont envisageables), car à travers l’exploration de mes pensées et idées, je ne cesse de vaciller entre différentes problématiques qui pourraient (toutes dans l’ensemble) constituer le socle de base de mon futur projet de recherche. Et toutes ces idées ont ce point commun d’aborder la danse contemporaine sous la dimension artistique.
Mais avant d’aller plus loin, la question ne sera pas de se demander si la danse contemporaine est un art, mais plutôt d’analyser ce qu’elle peut apporter à un enfant de 6 ans, et en parallèle à un enfant de 10 ans.
Et ici, une nouvelle question se profile à l’horizon : « Pourquoi avoir choisi de traiter de la danse contemporaine, et non d’un autre « style » de danse, ou d’un autre art ? » Peut-être ai-je enfin trouvé la réponse à cette question (de manière subjective) : « Parce que, la danse contemporaine est une large discipline qui offre un accès plus riche aux enfants, à la grande discipline maîtresse qu’est la danse ». En effet, la danse contemporaine est un concentré de plusieurs « types » de danses : lors d’une représentation, on peut aussi bien retrouver des pas de danse classique, ainsi que des figures de danse de société, ou bien de la danse moderne, etc. Où est la limite de cette discipline ? En allant plus loin, et pour répondre à la question « pourquoi ne pas avoir choisi un autre art ? », je dirai que la danse contemporaine est un art qui permet un mélange de plusieurs arts, tels que la photographie, la peinture, le cinéma, etc. Cette discipline regorge de richesse, offre une jonction de tous les arts, que l’on ne retrouve pas forcément ailleurs, dans une autre discipline.
Pour revenir à ma question « initiale », je dirais que la danse contemporaine offre un large éventail, du point de vue de la découverte de notions et de types de danse, aux enfants qui y seront confrontés.
Mais je me trouve maintenant face à la difficulté essentielle de mon projet de TER qui consiste à partir d’une idée ou d’une problématique initiale. Or, en l’état actuel des choses, je ne suis toujours pas apte à déterminer un cadre de recherche précis. Tout en prenant appui sur mon vécu et en me plaçant en tant que futur enseignante, je ne sais si je dois aborder la discipline de la danse contemporaine comme un art (pouvant ouvrir à la sociabilité) ou bien comme un moyen d’expression (pouvant permettre un accès à la connaissance de soi et à l’expérience), ou encore comme une activité ludique (qui permettrait de remédier à quelques lacunes et mieux accéder à la compréhension et connaissance d’un fait).
Je reprendrai cette expression utilisée par Constance BODIOU, dans son mémoire (2010-2011) : « Apprendre en créant ».
Je laisse en suspend ces premières interrogations, dans l’attente de me forger une meilleure idée qui pourrait par la suite constituer un socle plus solide à mon projet de recherche à venir.
Mots clés: Danse contemporaine – Art – Expérience – Découverte – Apprentissage.
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JOUAULT Marion
Au commencement, c’est Jacques Prévert qui, après avoir relu le célèbre conte d’Andersen La Bergère et le Ramoneur, souhaite l’adapter au cinéma avec l’aide de son ami Grimault. Prévert est celui qui a poussé Grimault au cinéma d’animation, et Grimault, fan de l’écrivain danois, n’a pas été difficile à convaincre. Il a déjà, avec l’aide de Prévert, adapté en dessin animé le conte de l’Inébranlable petit soldat de plomb, devenu Le petit soldat en 1947. Le long métrage du Roi et l’Oiseau mettra 34 ans à voir le jour. Il n’y a pas d’expérience similaire dans l’histoire du cinéma française en matière d’animation. Ce premier coup d’essai de long-métrage rencontrera des soucis d’ordre financier très vite, et cela aboutira à la sortie prématurée d’une première version, appelée La Bergère et le Ramoneur. Ce court-métrage sort sans l’accord de Grimault et Prévert, très mécontents du résultat (bien qu’il remporte le grand prix du jury de la XIIIe Biennale de Venise en 1951) . Ce n’est que quelques années après que les deux hommes reprennent la réalisation du dessin animé, dans un contexte différent (la guerre est passée par là), qui a changé des mentalités (moins délicates). Le long métrage change de nom pour devenir Le Roi et l’Oiseau, et l’on peut dire qu’il est véritablement le résultat d’une formidable amitié entre les deux poètes. Un équilibre parfait naît de la collaboration des deux artistes. Ensemble, ils trouvent le juste milieu entre tragédie et humour.
Prévert est un célèbre poète et scénariste engagé, un touche-a-tout et un amoureux du cinéma et autres arts visuels, qui voit notamment dans ce film un moyen de dénoncer les régimes totalitaires et tyranniques, passés et présents. Prévert ne verra pas la fin du film, il décède pendant la préparation de la version définitive de 1979. Paul Grimault, lui, est un dessinateur de talent ; il est le fondateur de la première société de dessins animés française, et est le premier français reconnu à l’internationale pour son travail. Pour Jean Aurenche, qui a présenté Grimault à Prévert, Paul Grimault « est un poète. Quelqu’un qui sait vous émouvoir et vous faire sourire en même temps. Comme Prévert. Quelqu’un qui a su garder l’esprit d’enfance et qui débusque le tragique, l’insolite, derrière des faits anodins. Sans la moindre mièvrerie. Paul, c’est quelqu’un qui croit que les enfants sont des poètes et qui s’adressent à eux d’égal à égal. Le contraire de Disney. » (dans La suite à l’écran, recueil posthume d’entretiens, éd Institut Lumières/Actes Sud, 1933).
Ces deux hommes ont connus, directement, les deux guerres mondiales, et ce film est pour eux un appel à la liberté et à la révolte pour la liberté.
Le thème brûlant des excès d’un régime totalitaire/tyrannique est traité ici avec une poésie et une esthétique sublimes. Regarder ce long métrage avec une classe de CM2 par exemple permet à l’instituteur d’aborder des sujets difficiles pour des enfants, comme celui de la Seconde Guerre Mondiale et des Fascismes. Les grands traits de ces régimes sont ici facile à distinguer, et loin être brutaux pour l’enfant. On peut y voir :
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le culte du chef et la propagande
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l’importance donnée à la construction de monuments et d’édifices somptueux et de taille disproportionnée (références à l’antiquité ou aspect futuriste)
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l’omniprésence militaire et l’espionnage (plus le robot, véritable arme de destruction massive)
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la délation
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les doctrines de races, d’inadaptation, d’infériorité et de supériorité de certains individus sur d’autres (ghettos de la ville basse, amour impossible entre une Bergère et un Ramoneur, …)
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le travail forcé et la sanction (mise à mort systématique, traque, …)
Un instituteur peut ainsi isoler chacune de ces caractéristiques pour en étudier des exemples dans le temps, passés (Italie de Mussolini, le Troisième Reich d’Hitler, l’Espagne sous Franco, l’URSS de Staline,…) ou présents (dictature des pays arabes et africains, Corée du Nord, …).
Ce film est un véritable produit de l’après-guerre et du traumatisme qui en a découlé. L’Oiseau est aussi un personnage essentiel et très intéressant à étudier. Il incarne le courage et la résistance à l’oppression. Comme le dit Grimault : « L’Oiseau, c’est la liberté » Il est une sorte de dissident au régime du Roi de Takicardie. Et on peut souligner sont caractère un peu démagogique pour arriver à ses fins (« Il y va d’un bloc ! »). La résistance française lors de la Seconde Guerre Mondiale ou encore la résistance espagnole au régime de Franco, peuvent être également abordées après le visionnage du film.
Il faut préciser que dans Le Roi et l’Oiseau aucune indication de temps n’est donnée. Prévert et Grimault ont choisi de placer l’action dans un cadre intemporel, car en effet, il est impossible de dire si cela se passe au XVe siècle ou au XXe siècle.
« Je suis content d’avoir fait Le Roi et l’Oiseau parce que ce qu’il raconte est salutaire pour tout le monde et le sera encore pendant des années. Ce n’est pas un film à message, mais il parle de la façon dont le monde vit depuis un temps, et où il a l’air de s’engager de plus en plus. » (Paul Grimault)
Voir une tentative très courte: http://www.ac-grenoble.fr/ien.romans/Bmpc/Alain/C3/jacquesprevertunpoete.PDF
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Claire TIREL
Les musiciens intervenants à l’école : enquête
Mon TER s’effectuera sur les musiciens intervenants à l’école. Travailler sur la musique s’est naturellement présenté à moi car j’ai de nombreuses années de pratique musicale derrière moi, ce qui m’a permis de me rendre compte que la musique peut être épanouissante pour la vie sociale mais aussi scolaire des enfants. J’ai commencé ma formation musicale par l’éveil musical à l’âge de quatre ans et j’ai continué jusqu’au brevet de solfège. Pour la pratique instrumentale, je joue de la flute depuis maintenant 15 ans et je fais actuellement partie de trois orchestres.
La pratique de la musique à l’école primaire est très différente de l’enseignement dispensé par une école de musique, néanmoins, elle n’en est pas moins importante. Malheureusement, même si les instructions officielles accordent une place non négligeable à la musique, cette discipline est parfois délaissée au profit des matières « principales » comme le français, les mathématiques, l’histoire géographie… Cependant, selon moi, la musique est une discipline très importante qu’il faut en aucun cas mettre de côté. En plus d’être un moyen d’expression et de faciliter la socialisation des enfants, il semble que la musique soit un « plus » pour la scolarité des élèves. J’aimerai donc approfondir cela en travaillant sur la question : quels sont les bienfaits de la musique sur les élèves ?
D’après quelque recherche, une des raisons pour laquelle la musique est parfois délaissée semble être que certains professeurs ne se sentent pas capable d’apprendre la musique aux élèves. Cela peut être dû à un manque d’intérêt ou de connaissances à ce sujet. Cela m’amène à une deuxième question : les cours de musique dispensé à l’IUFM sont-ils suffisants ? Je ne peux pas en juger, car ces cours se dérouleront au second semestre pour moi, mais mes recherches me laissent penser qu’il y a une carence à ce niveau.
La présence d’un intervenant semble donc très importante pour certains professeurs. Le musicien intervenant aussi appelé DUMISTE (par rapport au nom du diplôme qu’il doit obtenir avant de pouvoir enseigner : le DUMI) est en premier lieu un musicien confirmé qui doit maîtriser la musique au sens large du terme (savoir chanter, diriger, concevoir un spectacle …). De plus, il doit aussi être pédagogue. Je pense donc que je vais devoir approfondir mes recherches sur les compétences du musicien intervenant.
La présence du musicien dans la classe peut remettre en question la polyvalence du professeur, qui se décharge de l’activité musicale. Je ne souhaite pas m’arrêter sur cette question, car je pense que le DUMISTE ne prend pas la « place » du professeur durant la séance musicale. En effet, j’ai plutôt tendance à imaginer le professeur et l’intervenant comme un binôme. Selon moi, il ne faut pas que le professeur soit totalement en retrait ni qu’il se mette en avant afin de laisser l’intervenant travailler avec les élèves. J’ai donc envie de me renseigner sur la « place » que doit occuper les deux protagonistes en étudiant les questions : la collaboration est-elle difficile entre le DUMISTE et le professeur ? Quelle est l’importance de la participation du professeur durant la séance musicale où le DUMISTE est présent ?
Pour répondre à ces questions, j’ai comme projet de rencontrer plusieurs musiciens intervenants afin qu’ils me parlent de leurs métiers. Selon les possibilités, j’aimerai assister à une séance dans une école primaire. Cela me permettra peut-être d’analyser un projet dirigé par un de ces intervenants. Je n’ai pas encore défini de cycle précis, je ne sais pas si je me concentre sur un cycle en particulier, ou si je fais un parallèle entre différents cycles. J’espère que mes entretiens avec les intervenants pourront m’éclairer à ce sujet.
bibliographie de textes officiels: http://www.culture.gouv.fr/culture/infos-pratiques/fiches/fiche12.htm
Serge Martin
Professeur émérite de littérature contemporaine de langue française DILTEC (EA 2288) et THALIM (UMR 7172), Université Sorbonne Nouvelle Paris 3 Ecrivain sous le nom de Serge Ritman
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OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
Serge Martin (27 septembre 2012). Projets de TER dirigés par Serge Martin (octobre 2012). art, langage, apprentissage. Consulté le 13 janvier 2025 à l’adresse https://doi.org/10.58079/cxpj
Bonjour Claire,
Je trouve le sujet de ton TER très intéressant pour plusieurs raisons.
Pour commencer, il soulève de nombreuses questions sur une matière qui m’est encore totalement inconnue. (je n’ai pas encore pu assister à une séance de musique lors de mon stage, et nous n’avons pas encore eu de cours de musique à l’IUFM)
Or, tout comme toi, je pense que c’est une discipline qu’il ne faut pas négliger.
De plus, ton sujet permet de s’interroger sur la relation qui existe entre un enseignant et un intervenant. (Ce dernier doit-il prendre en charge la classe en totalité ou est-il aidé par l’enseignant ? Quel rôle joue alors l’enseignant ?…)
Ce sont des questions que je me pose moi-même et je ne pense pas être le seul dans ce cas.
J’espère que tes recherches se passeront bien car je pense que tu as trouvé un bon sujet pour produire un excellent TER.
Bonne continuation,
Maxime
Passionnante, votre discussion…
Vous posez un double problème:
– celui de la polyvalence en regard des disciplines et donc de leur articulation inter-trans, ou celui de l’activité et des apprentissages de l’élève dans leur globalité et complexité qui nécessitent toutefois d’être accompagnés voire évalués mais qui doivent, dans tous les cas, rester au plus près de l’enfant et de son expérience “indéchirable” ;
– celui de la pensée de ces apprentissages et enseignements qui doit obligatoirement faire référence à des cadres institutionnels, historiques, épistémologiques ou, plus simplement, qui doit expliciter un point de vue où l’observation se définit en définissant son objet…
C’est dans cette tension entre observation et réflexion, la première proche de l’expérience mais bien obligée de sélectionner, de dissocier, la seconde s’en éloignant mais bien obligée de penser le continu de l’expérience sous peine de s’en détacher.
Il me semble que la meilleure solution pour éviter les deux écueils majeurs (le vague d’un point de vue global, le détail d’un point de vue local), c’est d’associer des singularités fortes (des cas précis qui font levier sur l’ensemble) dans une configuration qui les associent dans une seule problématique, un mouvement de pensée tenant et le plus précis et le plus ouvert. Vous avez fort bien commencé !
Amandine,
Je suis tout à fait d’accord sur ce fait : « que la danse “fasse partie de la catégorie sport” représente un problème mineur pour [mon] projet de TER », puisqu’en effet, mon travail de recherche ne porte pas sur cela.
Je suis également de ton avis concernant la pratique de l’interdisciplinarité, qui, il me semble, est primordiale dans la pratique de l’enseignement.
Ensuite, lorsque tu mentionnes le fait que je puisse « insérer dans une séquence, ou un projet axé sur la danse comme art, des représentations, des spectacles (vidéo ou au théâtre), des rencontres avec des professionnels, de l’histoire, de l’histoire des arts, de la poésie (liée à celle des corps), de la musique », je te suis également, mais si j’ai auparavant opéré une distinction nette entre la pratique de la danse comme activité sportive, et comme activité artistique, c’est parce qu’il me semble que les deux apparaissent comme incompatible dans l’objet de leur réflexion.
Je vais tenter d’être plus claire sur ce point : La pratique de la danse, d’un point de vue artistique n’impose pas de contraintes extérieures à un corps souple, contrairement à la pratique de l’EPS, à travers laquelle on retrouve également un certain nombre d’objectifs illustrés par une progression sur différents niveaux (paliers), qu’il est souhaitable d’atteindre à la fin de chaque cycle.
La pratique de « l’Art/danse » constitue au contraire une expérience qui met en relation soi et autrui, qui transforme le corps et la pensée de l’enfant. L’enseignement artistique de la danse passe par des expériences spécifiques de la mise en jeu du corps, qui sont liées à des conduites « esthético-artistiques », et des acquisitions de savoirs auxquelles elles donnent lieu.
L’objet d’enseignement de l’EPS (et c’est ici que je perçois une distinction évidente) donne lieu à des « conduites motrices ». La pratique sportive permet l’optimisation des conduites motrices et des processus intellectuels qui les sous-tendent. De ce point de vue, l’EPS apparaît comme étant incompatible avec l’enseignement artistique de la danse (« Art/danse »), puisqu’il n’est pas question, dans celle-ci, de corps performant, mais au contraire, d’un « corps sensible » dont l’élève doit en faire une expérience liée à une certaine façon de se mouvoir, de se vivre comme « être corporel », communiquant avec autrui.
« [l’]enseignement artistique [de la danse] à l’école, […] doit s’affirmer comme un espace où on ne « fabrique » pas des modes d’agir et de penser uniques et formatés. Mais […] une activité de communication […] ». Il s’agit, à travers la pratique artistique de la danse, de repérer des principes de composition, de mettre en œuvre des « démarches de composition » et « d’écriture singulières et référencées ».
Enfin, la pratique de l’EPS à l’école renvoie à un « monde physique », où le corps est conçu comme un « corps-objet » renvoyant à un « ensemble mécanique fait de muscles, d’os, de tendons, d’organes et de systèmes neuronaux […] ». De plus, le jugement esthétique qui serait porté dans le cadre d’une pratique EPS/danse ne se situerait que dans les limites d’une « rationalité objectivable et objectivante.
C’est pourquoi, je ne souhaite pas aborder la pratique de la danse en y insérant une séquence de sport.
Enfin, je suis d’accord sur le fait qu’il ne faille pas mettre l’art et la pratique artistique à l’école dans une “case” à part, seulement, je souhaiterais étudier ce que la pratique de la danse peut apporter à un enfant, du point de vue de l’expérience, de l’expérimentation, de la découverte, etc. J’aimerais analyser l’impact que la pratique artistique de la danse peut avoir sur le corps, la gestuelle, et le ressenti de ce dernier, ainsi que sur son comportement et ses attitudes en lien avec autrui.
J’espère ne pas être parue trop « brusque » dans mes propos. Je trouve cela intéressant de pouvoir échanger sur nos différentes représentations de l’enseignement d’une discipline.
(Les notions citées sont issues de l’ouvrage de Jean-Jacques Félix, Enseigner l’art de la danse ? « L’acte artistique de danser et les fondements épistémologiques de la didactique de son enseignement », Paris, février 2011.)
Selon moi, le fait que la danse “fasse partie de la catégorie sport” représente un problème mineur pour ton projet de TER. En effet j’ai bien compris que tu voulais traiter de la danse comme d’un art et non comme un sport mais il faut bien penser qu’à l’école, pour le dire simplement, on ne fait pas du sport que pour faire du sport.
Je pense notamment à la notion d’interdisciplinarité. Quelques exemples pour illustre mon propos…
Si l’on travaille sur les formes, les ronds par exemple, avec des petites sections, on proposera des activités sportives avec des cerceaux. Si l’on veut les faire compter en CE1, on donnera à quelques élèves le rôle de “compteur” (compter les points, les passes, les touches… ) lors d’une séance sportive d’un jeu collectif. De même en arts visuels, si l’on étudie les formes géométriques au cycle 3, on pourra faire intervenir les peintures cubistes. Et vice et versa.
Je me dis donc que tu peux tout à fait insérer dans une séquence, ou un projet axé sur la danse comme art, des représentations, des spectacles (vidéo ou au théâtre), des rencontres avec des professionnels, de l’histoire, de l’histoire des arts, de la poésie (liée à celle des corps), de la musique et même des mathématiques (la notion de temps) et du “sport”. Ainsi, lors de la séance de sport, l’exercice de la danse prendra une toute autre dimension pour eux.
Je te donne un exemple très concret: à l’école où j’effectue mon stage, l’enseignante a profité d’une séance de tennis avec sa classe de CP-CE1 pour les photographier car elle veut étudier le mouvement avec eux.
Je pense que l’on n’est pas obligé de mettre l’art et la pratique artistique à l’école dans une “case” à part mais bien au contraire qu’il est nécessaire que les élèves les apprivoisent en les croisant avec plusieurs disciplines et non pas comme une discipline en marge.
C’est, je crois, en liant les disciplines considérées comme de “seconde zone” (arts et sport) à des disciplines “principales” que les enfants les intégreront pleinement.
Claire, en relisant ton projet de TER, je prends conscience que des liens sont palpables par rapport à celui que je mène sur la pratique de la danse contemporaine à l’école (du point de vue du rôle de l’intervenant, ainsi que de la pratique de la musique par rapport à celle de la danse). Aussi, une lecture que j’ai faite à ce sujet, pourrait éventuellement t’intéresser: Claire Noisette, “l’enfant, le geste et le son”‘ une initiation commune à la musique et à la danse, Paris, 1997. Il s’agit d’un ouvrage à travers lequel l’auteur confronte les musiciens et les danseurs sur le même plan, soutenant l’idée qu’ils ont une “formation initiale commune”. Tout le cheminement de sa réflexion se profile dans une comparaison entre le musicien et le danseur, à travers différentes notions : “l’écoute”, “l’appréhension de l’espace dans sa dimension physique/sonore”; “la disponibilité corporelle”; “la conscience des autres”; “l’association du corporel et du musical”, etc. Cette liste de notions abordées dans l’ouvrage est loin d’être exhaustive, elle ne donne qu’un aperçu de l’ensemble de la réflexion menée par claire noisette sur une initiation conjointe à la musique et la danse.
(Cet ouvrage est disponible à la bibliothèque universitaire du campus 2). Bonne continuation. Pauline
Suite à une mauvaise manipulation, le premier commentaire (précédent) que je t’ai envoyé en réponse à tes questions s’est enregistré, et je ne parviens pas à revenir dessus pour le modifier et le compléter.
Je vais donc poursuivre dans celui-ci:
Je voulais, tout d’abord, te remercier pour ton commentaire, dans lequel tu as soulevé plusieurs questions auxquelles je me suis déjà confrontée, et qui m’ont permise d’affiner ma pensée et de l’orienter vers des faits plus précis.
Pour reprendre l’idée que tu as formulée ci-dessus : ” Je ne pense donc pas que tu auras des exemples concrets de cours de danse en tant qu’art durant tes différents stages”, et bien, au contraire, j’ai eu la chance de découvrir qu’il y a une école à Caen, dans laquelle interviennent deux danseurs, une fois par semaine. Je n’ai pas plus d’information, mais j’ai pour projet d’appeler l’école le plus rapidement possible, de façon à entrer en contact avec ces deux intervenants et leur poser des questions concernant le projet mis en place, les objectifs de ce projet (d’un point de vue pédagogique et par rapport à l’enseignement, le projet de classe.)
D’autre part, j’ai pris contact avec le CCNC/BN (Centre chorégraphique de Cane, Basse-Normandie), car, dans le cadre du Projet Local d’Éducation Artistique et Culturelle, un partenariat entre la ville de Caen, le CCNC/BN et la Direction des services départementaux de l’Éducation Nationale, a permis la mise en place d’un projet “Danse à l’école” pour l’année scolaire 2012/2013, qui “met en relation l’enfant avec l’art chorégraphique et de manière transversale, avec l’art en général.”
Ensuite, je ne souhaite pas partir, pour mon projet de TER, d’un spectacle vivant (c’eut été une possibilité!). Je préfère plutôt m’appuyer sur une pratique artistique, voir comment cette pratique peut être mise en place (par le biais d’un projet issu d’un partenariat), et, surtout, de voir ce que la pratique de la danse peut apporter à l’enfant, d’un point de vu relationnel, mais aussi par rapport à la découverte, l’expérience, l’expérimentation, l’expression, l’émotion, la sensation, la gestuelle, etc.
De plus, je veux aborder la danse contemporaine sous l’angle de l’art et non comme une activité sportive, car, comme je l’ai déjà mentionné, la danse contemporaine peut permettre un “croisement” de tous les arts.
Enfin, je pense (à priori comme toi) que la pratique d’une activité artistique ne peut être détachée d’un support visuel. On ne va pas pratiquer la peinture en art visuel sans prendre connaissance en parallèle d’un peintre ou d’un mouvement qui s’inscrit dans l’Histoire de l’art. Les deux vont de pair, et il me semble que pour aborder la danse avec les enfants, il est nécessaire de leur faire découvrir, au minimum, un chorégraphe contemporain qui s’inscrit dans l’histoire de la danse, d’une part pour leur donner un accès à cette culture, et d’autre part, pour pallier aux fausses représentations que certains (tous?) enfants peuvent se faire de la danse, n’ayant qu’un simple “contact qui se réduit le plus souvent à une marge aussi étroite que médiatisée et qui correspond notamment aux productions chorégraphiques que proposent entres autres des émissions télévisées de variétés comme la Star Academy”. (Jean-Jacques Félix, Enseigner l’art de la danse?, L’acte artistique de danser et les fondements épistémologiques de la didactique de son enseignement, Paris, 2011, p.105).
J’espère avoir répondu au plus près de tes interrogations. Je te remercie pour l’attention que tu as prêtée à mon sujet de recherche. bonne continuation, Pauline.
Claire, je vais tenter de répondre aux différentes problématiques que tu as soulevées dans ton commentaire.
Les différentes questions qui apparaissent dans ce dernier ont fait au préalable fait l’objet d’une réflexion dans ma démarche de recherche. C’est pourquoi, je vais te répondre par le biais d’un extrait de texte réflexif que j’ai écrit quelques jours auparavant et qui, je l’espère, répondra à tes questions:
L’enseignement de la danse contemporaine à l’école peut d’emblée être considérée comme problématique, dans le sens où la danse contemporaine n’est pas une pratique très développée au sein des programmes scolaires (surtout du point de vue du domaine artistique). Par conséquent, il me semblerait intéressant de mettre un projet en place qui se prolongerait vers un nouvel horizon, ferait état de nouvelles notions qui ne sont pas, de nos jours, communément abordées au cours de la scolarité d’un élève de cycle 1, 2 ou 3.
Mon but serait alors de faire découvrir une nouvelle discipline riche (la danse) qui permettrait de faire le lien avec d’autres disciplines (qu’elles soient artistiques ou scolaires).
Je considère la danse comme une discipline riche dans le sens où elle peut être envisagée comme une expérience, au sein de nombreux et divers champs :
– L’enfant vit une expérience quand il danse. Il découvre un nouveau mode d’expression, se trouve confronté au regard des autres, dans un univers social qui lui est imposé (créer avec l’autre, composer avec l’autre). De plus, l’enfant découvre son corps à travers la pratique de la danse. Cette découverte peut être envisagée par le biais d’une gestuelle (qui peut lui être imposée, ou sortir tout droit de son imaginaire).
– L’enfant s’expérimente à travers la danse (dans le cas d’un enfant timide, l’expérimentation et par conséquent l’expérience, peuvent passer par un repoussement des limites, une forme de dépassement de soi), il se socialise, s’ouvre.
– Enfin, d’un autre point de vue (c’est-à-dire, moins centré sur l’enfant, en ce qu’il incarne un être vivant, unique et doté d’une subjectivité propre), la danse contemporaine peut permettre d’ouvrir des portes vers un nouveau type de pratique : la peinture (peinture sans pinceau, peinture sans les mains, peinture sans le support A4 ou raisin…). La peinture avec le corps, le corps en mouvement, le corps source d’une gestuelle, le corps comme moyen d’expression et d’expérimentation.
Tu souhaites traiter le sujet de la danse contemporaine en tant qu’art plutôt qu’en tant que sport. Cela semble difficile à réaliser, car dans les écoles, la danse fait partie de la catégorie sport et est traitée en tant que telle.
Je ne pense donc pas que tu auras des exemples concrets de cours de danse en tant qu’art durant tes différents stages. Tu devrais peut-être assister à un cours de danse contemporaine extrascolaire dispensé aux enfants. Tu pourrais ainsi observer et discuter avec des enfants et le professeur qui travaillent sur la danse contemporaine en tant qu’art.
Autrement, cela pourrait être intéressant que tu te renseignes sur la façon de faire travailler les enfants sur un spectacle de danse contemporaine qu’ils iraient voir en sortie pédagogique.
-COMMENT LES FAIRE ETUDIER LE SUJET ?
-Quels documents utiliser pour qu’ils comprennent le spectacle ?
-Etudieriez-vous l’affiche du spectacle?
-Est-ce utile d’apprendre les termes techniques de base de la danse aux enfants ?
-Faut-il travailler sur le spectacle après ou avant l’avoir vu ?
-COMMENT LES AIDER A SAISIR LES DIFFERENTES SUBTILITES QUE COMPORTE CET ART ?
-Faut-il leur expliquer ce que les danseurs cherchent à exprimer avec leurs corps ?
-Faut-il expliquer aux élèves les significations artistiques des différentes évolutions dans l’espace ?
-QUELS ELEMENTS FAUT-IL ETUDIER ?
-Faut-il étudier les costumes des danseurs ?
-Est-il nécessaire de travailler sur l’ensemble musique/danse/costume/éclairage/décors ou peut-on se concentrer uniquement sur la gestuelle des danseurs ?
-Est-il nécessaire que les élèves rencontrent les danseurs ou/et le chorégraphe ?
Cela pourrait être une solution pour parler de la danse contemporaine en tant qu’art aux élèves. A toi de voir l’angle que tu souhaites étudier pour ton TER ! En espérant que ces quelques remarques te soient utiles !