Archives par mot-clé : photographie

Journée d’études Entendre, chanter, voir et se mouvoir. Réflexion sur les supports employés dans la classe de langue

Atelier 1 : l'Image (Evelyne Argaud, Diana Lemay, Francis Yaiche, Odile Racine)
Atelier 1 : l’Image (Evelyne Argaud, Diana Lemay, Francis Yaiche, Odile Racine)

La Journée d’études Entendre, chanter, voir et se mouvoir. Réflexion sur les supports employés dans la classe de langue s’est tenue les jeudi 5 et vendredi 6 novembre 2015 à INALCO (Institut national des langues et civilisations orientales). Elle a été organisée par l’EA 4514, PLIDAM (Pluralité des langues et des identités : didactique, acquisition, médiations), et s’est ouverte avec les interventions de Thomas Szende, directeur PLIDAM, et Odile Racine, directrice adjointe PLIDAM. De nombreuses interventions se sont déroulées autour de l’image, de la voix, du geste et du corps en mouvement en classe de langue étrangère. Parmi les interventions, Francis Yaiche (Université Paris 7 auteur des ouvrages Photos-Expressions[1] et de Simulations globales, mode d’emploi[2]) a partagé des idées sur l’usage de la photographie en classe de FLE dans l’atelier dédié à l’image, et Eve-Marie Rollinat-Levasseur (Université Sorbonne Nouvelle Paris 3) sur le théâtre avec la communication Lire du théâtre en classe de Français Langue Etrangère : jeux de voix et effets de masque (voir « La littérature en acte : voir, entendre, ressentir[3] » avec la contribution de Véronique Kuhn).

Autour de l’image, Catherine Muller (Université Grenoble Alpes, LIDILEM) avec la communication Supports visuels et interculturalité : réflexions autour d’un dispositif pour l’enseignement/apprentissage du FLE en contexte homoglotte défend que les supports visuels favorisent le développement des compétences interculturelles des apprenants. Ces supports suscitent des enjeux communicatifs, la prise de parole du groupe, ce qu’elle a analysé dans sa thèse sur des commentaires de photos d’auteur[4]. Cette communication a visé à présenter l’analyse d’un dispositif mis en œuvre à Grenoble, un cours de FLE auprès d’un public d’étudiants de plusieurs nationalités de niveau B1 dans une école d’ingénieurs. Dans ce cours, Muller a proposé des activités à l’aide des supports visuels sur la thématique des stéréotypes, comme la vidéo Cliché ! qui a donné lieu à des discussions et ensuite des productions humoristiques autour des stéréotypes faits sur leurs pays d’origine.

[1] Yaiche, F., Photos-Expressions. Paris, Hachette FLE, 2002.

[2] Yaiche, F., Simulations globales, mode d’emploi. Paris, Hachette FLE, 1995.

[3] Rollinat-Levasseur, E. -M., Kuhn, V., « La littérature en acte : voir, entendre, ressentir », in : Godard, A. (dir.), La littérature dans l’enseignement du FLE. Paris, Didier, 2015.

[4] Muller, C., Paroles sur images – Les interactions orales déclenchées par des photographies d’auteur en classe de français, langue étrangère. Thèse de doctorat, Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3, 2011.

Monica RIBEIRO CUNHA

Diplômée en Langues Française et Portugaise à la Pontificia Universidade Catolica de Sao Paulo (Brésil), actuellement en Master 2 Recherche Didactique du Français Langue Etrangère/Seconde et Langues du Monde à l’Université Sorbonne Nouvelle Paris 3.

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Harry Gruyaert à la MEP et dans le métro parisien

 

Vous avez probablement remarqué d’immenses photographies dans les stations de métro. Les publicités pour des parcs d’attractions ou des sites de rencontres ont été remplacées par de magnifiques tirages très colorés, des photographies d’Harry Gruyaert. Le photographe belge expose en ce moment à la Maison Européenne de la Photographie en collaboration avec la RATP.

Je m’y suis rendue il y a déjà quelques semaines, je souhaitais rédiger un article mais le temps m’a quelque peu manqué. Je prends tout de même quelques minutes aujourd’hui pour vous conseiller vivement cette exposition parce que je pense qu’elle en vaut la peine.

J’avais l’impression que de nos jours la mode était au noir et blanc. L’effet est souvent plus grandiose, la magie du noir et blanc opère. Je dois dire que moi même je me laisse facilement séduire. Pourtant avec l’artiste dont il est question ici c’est différent :

 

« Harry Gruyaert photographie les couleurs, c’est sa façon de voir le monde. »

 

C’est ainsi que le texte introductif de l’exposition commence. Lors de la visite la promesse est tenue, la couleur est bien au rendez-vous. Cela faisait longtemps que je n’avais pas été aussi touchée par des images. Les photographies sont sublimes et les couleurs donnent aux clichés une force incroyable.

 

N’hésitez pas à vous rendre à la Maison Européenne de la Photographie avant le 14 Juin ou au moins à ouvrir l’œil dans le métro.

 

http://www.mep-fr.org/evenement/harry-gruyaert/

 

 

 

 

Maude CAPMAN

Etudiante en Master 2, parcours recherche, à l’université Sorbonne Nouvelle – Paris III

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La recherche: un travail collectif

La pré-soutenance de nos mémoires le 11 mars nous a obligés à structurer notre problématique et le stade où on en est ainsi que de mieux connaître le sujet des autres. Un moment rassurant dans le sens où on a vu que personne n’a terminé de penser, de lire, de chercher ; un moment extrêmement intéressant aussi où on a compris que malgré qu’on mène ce travail seul (et dans ce deuxième semestre où les échanges sont ponctuels, on a d’autant plus cette impression de solitude) le chemin dans lequel on avance est plein de ponts qui nous amènent sur les trajectoires des autres.

J’ai choisi le groupe qui est passé à 11h35, qui comprenait les présentations de Maude Capman, d’Anissa Cheggour, d’Ayuna Contoli et de Wei Xudong pour examiner ces liens qui se sont tissés dans les petits groupes prévus par Serge Martin mais aussi inévitablement dans le groupe plus large du master.

Le lien le plus évident qui semblait à l’œuvre entre les quatre sujets était celui d’une interrogation sur l’accompagnement d’un certain support ou média en classe : Maude se penche sur l’intérêt de l’utilisation de la photographie d’art en classe de langue, sur les avantages qu’elle représente, sur ce qu’on peut envisager comme activités à partir de ce support. Anissa et Ayuna s’interrogent quant à elles à l’intérêt de manier les TICE en classe et aux atouts que le numérique peut apporter en classe de français. Wei Xudong étudie la place de la chanson en classe de FLE à travers une réflexion plus large sur la place de la chanson dans la société française et la société chinoise.

Il est intéressant de remarquer que les quatre sujets développent des questions qui au fond, sont tout aussi nécessaires dans l’espace d’enseignement qu’est le cours de français que dans la société. Que sait-on des bienfaits de la photographie d’art ? De l’utilité des espaces virtuels ou encore de ce que peut apporter l’activité artistique du chant ? Peut-être que la classe est le lieu privilégie où on peut le mieux analyser ce que ces domaines culturel peuvent apporter. La classe est une sorte de petite société à elle-même, dans laquelle chaque apprenant a son histoire et sa propre expérience des supports qui intéressent ces étudiants, les confronter à ces réalités va sans doute faire émerger les cultures et les historicités particulières, favorisant ainsi l’échange et l’expérience d’apprentissage entre les différents élèves et ce, d’autant plus, dans une classe de FLE, où les différences de langues, d’origines et d’identités se mélangent.

J’ai particulièrement été touchée par le lien indéniable qui se créé, à mon avis, entre le sujet de Maude et celui de Colline Rosdahl : cette dernière travaille sur comment inclure la diversité venue du mélange de langues et d’identités des migrants ou fils de migrants qui forment souvent la classe. Or comment inclure davantage qu’en permettant aux apprenants d’exprimer leur intériorité et leur prisme culturel à travers leur interprétation d’une œuvre d’art ? Il s’agit d’un pont pour faciliter la communication entre les apprenants autour ou avec un objet qui est finalement lui aussi un regard différent sur le monde : celui du photographe. On peut imaginer la richesse des échanges que cette activité d’interprétation photographique peut produire.

Pour finir sur ce moyen de communication et cet art qu’est la photographie, je dirai quelques mots d’une exposition photo qui se tient en ce moment à la Maison Européenne de la Photographie, dans le Marais : Grégoire Korganow a photographié pendant des années l’intérieur des prisons de France. Portant un à ce monde inconnu de la société, on pourrait dire que son travail est à cheval entre la recherche esthétique et une volonté d’informer. Évitant volontairement de photographier les individus qui les peuplent il photographie ainsi davantage l’espace et les mouvements qui y ont lieu, faisant advenir la vie dans la quiétude de l’enfermement. Des photographies intéressantes, sans doute, pour mener une réflexion en classe sur la liberté et sa privation : des notions qui seront tout à fait multiples selon la culture des apprenants…

Grégoire Korganow, « Prisons », MEP, jusqu’au 5 avril 2015

http://www.mep-fr.org/evenement/gregoire-korganow-prisons/

 

Carla Campos Cascales

Diplômée de lettres modernes à l’Université de Paris III-Sorbonne Nouvelle après une double licence en philosophie et lettres à l’université Paris I-Panthéon-Sorbonne, actuellement en master de recherche en sciences du langage (Didactique du Français Langue Etrangère et Langues du Monde) à l’université Paris III. Intéressée par la transmission et la réception de la langue et la littérature ainsi que par le rôle et l’activité du lecteur.

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ERRANCE, Raymond Depardon.

En me rendant dans ma bibliothèque de quartier afin d’y trouver un livre de Belting sur l’anthropologie des images, je suis tombée par hasard sur Errance de Depardon. Je l’ai emprunté pour y jeter un coup d’œil et je me suis laissée porter jusqu’à la fin. Le photographe propose un monologue, comme « une autre voie parallèle aux photographies » (Depardon, 2000 : 34). Il explique construire une sorte de chemin de fer : d’un côté la photo, de l’autre le texte. Il souhaite donner une voix à la photographie, lui associer une parole. Ecrire est pour lui une nécessité, il lui faut poser des mots simples, tout comme il fait des photos simples (Ibid., 46).

 

Je me suis laissée porter par ses paroles, j’entendais le texte et je ressentais même le besoin à certains moments de lire à haute voix, pour mieux l’entendre raisonner. Il s’agit d’une parole par laquelle le photographe nous dévoile une part de sa personne, son travail, ce qu’il a pu penser dans certaines circonstances en travaillant sur ce projet mais aussi avant cela. Il exprime ses peurs, ses frustrations, ses envies. Il effectue et nous fait effectuer un voyage en lui-même en somme.

 

Une lecture surprenante qui donne envie de découvrir le travail de Raymond Depardon aussi bien en photographie qu’au cinéma, une bonne surprise.

 

Cette lecture, en plus de m’avoir captivée, m’a appris beaucoup sur la démarche du photographe et sur les choix qu’il fait. Est née alors l’idée d’un projet dans le cadre d’une classe de FLE. Il s’agirait, après avoir donné un aperçu de cet ouvrage aux étudiants, de leur proposer de pratiquer à leur tour la photographie et de constituer une sorte de mini récit pour accompagner des photographies autour d’un thème. Il serait possible d’envisager que chacun participe afin de fabriquer un livret qui serait le résultat du travail de la classe. Ce qui me paraît intéressant est le fait de passer par la pratique pour amener les étudiants à avoir une attitude réflexive sur leur démarche. Ils pourront identifier leur positionnement dans la photographie, justifier leurs choix concernant le format, le cadrage, les couleurs, la lumière, la composition etc. Par la suite, ils pourront transférer cette réflexion dans le cadre de leur propre pratique sur des photographies culturellement reconnues. La démarche leur apporterait des pistes de lecture, d’analyse et d’interprétation, pousserait les apprenants à s’interroger sur la place de l’artiste et à faire des inférences sur ses intentions.

 

 

Je vous laisse bien sûr avec quelques images extraites de cet ouvrage.

 

 

 

 

 

Depardon, R. 2000. Errance. Paris, Seuil, 160 p.

Maude CAPMAN

Etudiante en Master 2, parcours recherche, à l’université Sorbonne Nouvelle – Paris III

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OUI MAIS, les enseignants ne sont pas assez formés…

 

le chat

En me penchant sur l’utilisation de la photographie culturellement reconnue en classe de langue je ne cesse de lire, dans divers articles, que les enseignants ne sont pas formés. Selon moi cet argument est discutable et je souhaiterais donc par ce billet soulever la question de la formation des enseignants.

 

 

Commençons par évoquer l’hypothèse selon laquelle il est nécessaire d’acquérir des compétences spécifiques afin d’utiliser des supports visuels en classe de langue. En assistant à une table ronde[1] au CentQuatre sur la médiation jeune public dans le cadre d’expositions photographiques et dans le cas présent dans le cadre du festival « Circulations », j’ai été interloquée par l’intervention de Jean Bourbon, directeur des publics au CentQuatre. Il a expliqué que le CentQuatre était un lieu d’appropriation possible par tous qui visait à rendre l’art « naturellement » accessible, que l’enfant était « capable », qu’après avoir observé une photographie il nous racontait des choses sans s’appuyer sur un savoir et que cela permettait de dire que « personne n’a raison sur l’œuvre ». Il est vrai que la photographie peut être un support déstabilisant : que dire sur une image ? Est-il possible d’en parler pendant une heure voire deux ? Cependant si l’enseignant accepte de ne pas être un professeur d’art, puisqu’il ne l’est pas c’est évident, de ne pas dicter une façon de lire l’œuvre qui aurait une valeur de vérité absolue, il peut alors être ce qu’il est en temps que professeur de langue : un animateur. Il peut initier la discussion, et les échanges et apporter par l’intermédiaire de la parole un regard sur l’œuvre qui n’aurait ni plus ni moins de valeur que celui de chacun des étudiants puisque quoi qu’il arrive à la fin « personne n’a raison sur l’œuvre ». C’est le regard de chacun et le fait que tous ces regards soient complémentaires qui apporte de la valeur au discours produit sur la photographie. Si selon Jean Bourbon l’enfant est « capable » et si le fait que son discours ne s’appuie sur aucun savoir lié à la photographie est justement ce qui le rend passionnant alors pourquoi l’enseignant, adulte, ne serait-il pas lui aussi capable, sans formation préalable, d’utiliser des supports photographiques en classe de FLE.

 De plus, il est important de préciser aussi que la photographie n’est pas envisagée comme unique forme de support à l’enseignement du français comme langue étrangère. L’enseignant pourra, en restant dans le cadre de l’étude de photographies, amener le travail sur l’image avec des études de textes en rapport avec l’artiste, sa démarche, une exposition etc. Il pourra aussi évidemment utiliser des supports et se pencher vers des thèmes qui n’ont rien à voir avec la photographie. Il s’agira simplement de venir diversifier la nature des supports utilisés afin d’éviter la monotonie et de favoriser la motivation des apprenants. Pour revenir sur le fait que l’enseignant serait capable d’envisager la photographie tout comme l’enfant l’est alors que son regard n’est pas forcément influencé par un savoir, on pourrait aller jusqu’à dire qu’il s’agit en fait de ne pas concevoir la classe de langue comme un espace dans lequel enseignants et étudiants s’opposent de façon binaire, il est d’ailleurs évident que l’enseignant ne sait pas tout sur tout. Il s’agit de concevoir la classe comme une co-construction. L’échange se fait dans les deux sens et il est d’ailleurs probable que certains apprenants aient des compétences spécifiques en photographie et puissent faire part de leurs connaissances. Cette éventualité serait bien sûr à envisager comme un apport particulièrement positif qui permettrait par la même occasion de valoriser les savoirs des apprenants.

Pour revenir sur la question de l’aptitude des enseignants à enseigner en utilisant l’image comme support, Anne Gavarret, conseillère pédagogique en arts visuels au rectorat de Paris, explique que les difficultés que les enseignants mentionnent en matière de didactique de l’image sont dues à la nature même de cette dernière. Le concept est toujours fluctuant et le champ des images est immense puisqu’il s’étend dans le temps et dans l’espace, à travers des techniques et des champs d’application variables. Selon elle, les enseignants font fasse à une difficulté « de posture » qui les « ébranle dans cet aspect si important de leur identité professionnelle : leur rôle de pédagogue ». Ils sont constamment préoccupés par le fait d’avoir à « introduire de la méthode et de la clarification là où le sens est diffus et épars, toujours à reconstruire » (Gavarret, 2010 : 34). Anne Gavarret fait mention d’idées reçues face aux œuvres d’art qui vont dans le sens de la nécessité d’une formation pour mieux s’en détacher. Elle dénonce quatre idées répandues selon lesquelles l’analyse de l’œuvre d’art dénaturerait cette dernière, en interprétant on ne pourrait être certain de respecter l’intention de l’artiste, notre démarche serait donc « hasardeuse » et il serait nécessaire de posséder une grande culture pour aborder ces œuvres et que les professeurs, n’étant pas des spécialistes, ne seraient pas suffisamment formés pour cela. Si une formation existait, elle n’aurait pas pour but de former les enseignants à devenir des spécialistes en la matière mais de les aider à « désacraliser l’œuvre en risquant des interprétations, étayées sur des connaissances, certes, mais en sachant que l’œuvre peut échapper à son auteur comme à son époque. » (ibid., 34). L’œuvre deviendrait une œuvre ouverte et ne rendrait plus le spectateur muet.

En revenant sur ce que nous avons évoqué précédemment on pourrait donc aller jusqu’à dire que c’est la posture du professeur qui est à remettre en question. L’enseignant, qui plus est dans le cadre de l’enseignement du français langue étrangère, est entre autre caractérisé par une polyvalence certaine qui nait de l’étendue des thématiques qu’il peut avoir à couvrir dans le cadre de ses cours. En parcourant Alter Ego 3 on remarque que parmi les thèmes évoqués figurent l’image des personnalités politiques, la poésie, la société de consommation, les titres de presse, la mobilisation des associations pour des causes variés, la réintégration des ours dans les Pyrénées, la justice etc. (Alter Ego 3, 2007). Pour citer un autre exemple, dans Version Originale 2 on peut trouver l’Union Européenne, l’immobilier et sa rénovation, le bien être, le traitement des maux, les changements climatiques, Molière et la théâtre à la française etc. (Version Originale 2, 2010). Pourtant, il est évident que l’enseignant en FLE n’est ni analyste politique, ni poète, ni journaliste, ni juriste, ni médecin et la liste n’est pas exhaustive. Cela ne l’empêche pas de se pencher sur des sujets liés à ces spécialités dans le cadre de ses cours et on ne lui reprochera jamais de ne pas être spécialiste de tous ces domaines. Pourquoi alors aurait-il besoin d’être spécialiste de l’art pour aborder l’image photographique culturellement reconnue ? Si l’enseignant ne peut évincer complètement son rôle de pédagogue au sein de la classe, il est probablement aussi bon qu’il se mettre parfois au niveau de ses apprenants et qu’il fasse de la classe une co-construction. Lorsque l’on touche à l’art, c’est justement le partage des regards et le croisement des interprétations qui sont au cœur de l’étude.

 

 

 

[1] « Photographie : la médiation jeune public en question » : table ronde, Paris, CentQuatre, 31 janvier 2015.

Denyern, M., Garmendia, A., Royer, C., Lions-Olivieri, M-L. 2010. Version Originale 2 : méthode de français, livre de l’élève. Barcelone Paris : Difusíon Français Langue Etrangère, Maison des langues, 157 p.

Dollez, C. & Pons, S. 2007. Alter Ego 3 : méthode de français B1. Paris, Hachette, 192 p.

Gavarret, A. 2010. « Quels usages pour l’image à l’école ? », Argos, n°46, p. 34.

Maude CAPMAN

Etudiante en Master 2, parcours recherche, à l’université Sorbonne Nouvelle – Paris III

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Photographie : la médiation jeune public en question.

Dans le cadre du festival « Circulations », je suis allée au Centquatre où j’ai assisté à une table ronde : « Photographie : la médiation jeune public en question ».

 

 Six intervenants étaient présents : Sabine Thiriot, responsable du service éducatif au Jeu de Paume ; Laurent Geniller, coordinateur  de projets audiovisuels de la Maison du Geste et de l’Image ; Ghyslaine Badezet, responsable du service culturel et pédagogique à la Maison Européenne de la Photographie ; Jean Bourbon, directeur des publics au Centquatre ; Isabelle Saussol, responsable projets pédagogiques aux Rencontres d’Arles et Marion Hislen, directrice du festival « Circulations ».

 Les intervenants se sont exprimés à tour de rôle autour du thème de la table ronde et une discussion a ensuite eu lieu. Avant de revenir sur les interventions de chacun je souhaiterais faire le point sur ce qui a été mis en avant de manière générale.

 

Tout d’abord, lors d’une exposition photographique on peut identifier trois éléments clés : le photographe, le photographique, et la photographie. Le visiteur, que l’on peut également appeler regardeur est actif. Le fait d’être spectateur est une pratique, ce n’est pas quelque chose de passif nous explique Jean Bourbon. L’enjeu principal est naturellement le regard et l’outil principal est le langage, il est appropriation. Si tout ce qui a été dit faisait référence à des enseignants et à des élèves dans des classes traditionnelles en France il m’a semblé évident que tout était facilement transposable au contexte du FLE. (Tous les établissement présentés ici mettent à disposition sur leurs sites internet des dossiers enseignants qu’ils préfèrent aujourd’hui appeler « dossiers documentaires »). Le fait que le travail sur le regard, que la perception de l’image passe par le langage fait de la photographie un objet particulièrement intéressant en FLE puisqu’elle mobilise ce langage qui est lui même l’enjeu, ou un des enjeux en FLE. Les intervenants ont aussi évoqué le fait que le regardeur devait aussi pratiquer, s’inscrire en temps qu’individu dans un projet collectif, trouver sa place, manipuler, agir et ramener chez lui quelque chose de concret, valorisation du travail produit. Dans cette optique sont organisés des ateliers de pratique artistique, des ateliers qui changent aussi le regard des enfants sur les œuvres lors de la visite. C’est le regard de chacun et le fait que tous ces regards, tous ces « centres » soient complémentaires qui est particulièrement intéressant. La lecture de l’image se fait à partir de l’expression de chacun, de l’échange, du partage. L’exposition est à la base d’une médiation  entre le lieu,  les photographies, les artistes, les intervenants et les élèves. Enfin il ressort que tous ces établissements programmes des événements, des expositions auxquels on a accès à un moment donné, dans un espace donné mais une des aspirations principales des organisateurs est aussi d’initier une pratique qui peut se poursuivre plus tard, ailleurs. De la même manière, en utilisant la photographie en cours de FLE, je souhaite faire découvrir un domaine que tout le monde aborde sans le connaître vraiment et pourquoi pas faire naitre une envie d’aller chercher ailleurs, plus tard, dans un autre contexte, d’autres images, d’autres artistes, d’en parler etc.

 

Retour sur les prises de parole de chacun des intervenants :

Pour commencer, c’est Jean Bourbon qui s’est exprimé. Il a présenté le Centquatre comme un lieu qui aborde la pratique de l’art à travers la question des représentations : l’image que l’on se fait des choses, du monde, et ce quelque soit le médium. Il souhaite créer par l’intermédiaire de cet espace un débat public de rencontres et de confrontations démocratiques. Le Centquatre est un endroit d’appropriation possible par tous, il vise à rendre l’art naturellement accessible –et  non pas aisément accessible. Le visiteur peut s’en servir pour devenir, grandir, s’inscrire dans la société témoigne Mr. Bourbon. La notion de « public captif » est bannie de son vocabulaire, selon lui, l’enfant est « capable », son regard sur l’art contemporain est passionnant, il nous raconte des choses sans s’appuyer sur un savoir et nous permet de dire que « personne n’a raison sur l’œuvre ». Mr. Bourbon a aussi fait référence à l’espace en commençant par dire : «  c’est le projet qui fait le lieu, et c’est le lieu qui fait le lien ». Un lieu qui disperse, dans lequel on vient se perdre, s’égarer (en venant au Centquatre pour une exposition on pourra aussi y trouver un marché bio, de la danse, des installations d’art contemporain etc. ) Chaque individu a son espace, et ils sont complémentaires, mais il a aussi ses périphéries. Ainsi le projet du Centquatre est résumé ainsi : « sortir du quotidien, faire un pas de côté, se décentrer ».

Par la suite, Laurent Geniller a également présenté la MGI (Maison du Geste et de l’Image) comme un lieu de pratique artistique dans lequel élèves et enseignants sont invités à venir vivre une expérience.  La médiation se met en place entre les enseignants, les artistes, les enfants, et le lieu.  Dans un travail commun chaque enfant va trouver sa propre place et une manière de « faire résonner les choses autrement ». L’objectif est de mettre les élèves en face de la culture pour leur permettre d’en tirer parti, de créer quelque chose à leur tour. Le dispositif de travail a lieu en trois temps : mettre en relation les élèves avec les œuvres mises en place, les inviter à produire leur propre discours et  leurs propres réactions et enfin produire un objet auquel chacun aura participé.

Vous pouvez voir en cliquant ci-dessous un exemple de petit film d’animation réalisé par une classe dans le cadre du projet «  Le jour le plus court ».

http://www.mgi-paris.org/index.php/portfolio/jour-le-plus-court-cinema-danimation/

Ghyslaine Badezet a expliqué que proposer des actions pour les jeunes publics était une priorité à la MEP (Maison Européenne de la Photographie). La structure propose des visites adaptées aux jeunes publics avec une ouverture notamment à la maternelle et plus particulièrement à la grande section. Elle propose aussi en collaboration avec des artistes ou intervenants l’élaboration de projets et inclut une partie théorique dans laquelle peuvent être abordés par exemple l’histoire de la photographie, les médiums etc.  Souvent la visite de l’exposition s’effectue après l’atelier et selon Mme. Badezet, cela change complètement la lecture du travail de l’artiste.  La MEP développe donc, entre photographe, photographique et photographie, une approche  pédagogique : découverte à analyse à compréhension. L’objectif et de permettre aux enfants d’associer une « pratique du regard » (le regardeur) et un « regard en pratique » (pratique de l’image).  Ghyslaine Badezet souligne enfin  à quel point il est important pour les enfants de pouvoir ramener chez eux un livret souvenir de leur production pour valoriser le travail mené.

Vous pouvez accéder en cliquant sur le lien ci-dessous à plus d’informations sur un des ateliers de pratique artistique ayant été organisé par la MEP avec l’école élémentaire des trois bonnes (Paris 11ème) : « Corps et espaces ».

http://www.mep-fr.org/2013/07/30/atelier-04-ecole-elementaire-des-trois-bornes-paris-11e/

Isabelle Saussol développe dans le cadre des Rencontres d’Arles un pôle « d’éducation au regard » : donner à voir / apprendre à regarder. Elle a mis en avant dans son intervention l’importance de pouvoir manipuler. Lors des ateliers organisés les enfants peuvent jouer à un jeu crée dans le cadre des Rencontres d’Arles : « Pause, photo, prose ». Ils manipulent des cartes, des images, répondent à des questions etc. Dans la même optique de faire manipuler, un projet est aussi en cours. D’ici le mois de Mars devrait être mis en ligne « l’Atelier des photographes », un site internet (initialement destiné à des enseignants et enfants dans des classes traditionnelles mais qui pourrait selon moi être abordable et très intéressant également en FLE) sur lequel enfants comme enseignants pourront se « promener » et trouver des informations sur les artistes, des analyses d’images, mais aussi des ateliers autour des œuvres, des fiches animateur. L’authenticité de la photographie sur le site internet est relative mais il offre, en proposant notamment des ateliers adaptables par chaque enseignant, la possibilité de créer de l’authentique au sein de la classe.

Sabine Thiriot  a présenté le Jeu de Paume comme un centre d’art dédié aux pratiques de l’image de l’invention de la photographie à nos jours et a donc fait mention d’une programmation à la fois historique et contemporaine, entre image fixe et en mouvement. Le service en charge des activités éducatives s’occupe de tous les publics et non seulement des enfants et n’opère pas de simplification des contenus. Des actions sont menées dans le cadre scolaire et en dehors. Le Jeu de Paume invite aussi à des déplacements mentaux avec les « Regards Croisés », des projets qui mettent en relation deux expositions ou deux visites: une exposition de photographie au Jeu de Paume, et une visite au musée des Arts et Métiers par exemple.  Sabine Thiriot nous a expliqué que l’enjeu principal était l’activité du regard et que l’outil principal était le langage : « parler ensemble ». L’appropriation se fait par le langage, comme un des axes de participation à l’espace publique. Il s’agit aussi d’initier une pratique qui peut se poursuivre plus tard, ailleurs. Tout ne s’arrête pas au moment et à l’espace de la visite.

Des outils sont disponibles en ligne : des dossiers documentaires et des renseignements sur les contenus.  Vous pouvez les consulter en cliquant sur le lien ci-dessous :

http://www.jeudepaume.org/?page=liste&sousmenu=131

Enfin Marion Hislen  fût la dernière à prendre la parole puisque c’est dans le cadre du festival qu’elle dirige que cette table ronde a été organisée. Elle nous a naturellement parlé de « Circulations » : 46 photographes principalement européens qui exposent au Centquatre mais aussi dans certaines gares parisiennes. Une version « enfant » de l’exposition a été mise en place. Son nom : « A hauteur d’enfant ». Là encore, pas de simplification mais l’exposition a simplement été rendue plus accessible. Les photographies sont affichées plus bas, à hauteur d’enfant comme le nom l’indique. Des activités ludiques ont aussi été mises en place : replacer les différentes photographie sur une carte géographique par exemple.

Je vous laisse enfin avec quelques images de l’exposition que vous pouvez visiter au Centquatre jusqu’au 16 Mars entre adultes ou avec des enfants puisqu’elle est aussi « à leur hauteur ». ( Vous pouvez voir le nom du photographe, son pays, et le titre de la série en vous plaçant sur l’image)

 

 

 

 

 

 

 

Sites internets des établissements représentés lors de cette table ronde :

Centquatre : http://www.104.fr

Jeu de Paume : http://www.jeudepaume.org

Maison Européenne de la Photographie : http://www.mep-fr.org

Maison du Geste et de l’Image : http://www.mgi-paris.org

Rencontres d’Arles : http://www.rencontres-arles.com

Festival Circulations : http://www.festival-circulations.com

Maude CAPMAN

Etudiante en Master 2, parcours recherche, à l’université Sorbonne Nouvelle – Paris III

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Michel Frizot : Toute photographie fait énigme.

Jeudi dernier je suis allée à la Maison Européenne de la Photographie et j’ai vu une superbe exposition :

Michel Frizot « Toute photographie fait énigme »

Amateur anonyme, Sans titre, Instamatic Kodak, vers 1970. 7,8 x 7,6 cm

 

 

Mal renseignée je pensais qu’il était un photographe français que je ne connaissais pas encore. En réalité pas du tout, c’est un historien de l’art et c’est sa collection personnelle de photographies qu’il a exposé. Beaucoup de photographies d’anonymes. Cela m’a interpelé et m’a rappelé notre rencontre et la discussion autour du terme  « photographie d’art ».  Qu’est-ce qui fait la photographie d’art ? Tout semble relatif, et avec cette exposition on en a la preuve. Michel Frizot expose à la MEP, un lieu dédié à l’art, pourtant ses photographies sont souvent anonymes, des photographies d’amateurs comme celles que l’on pourrait trouver dans un coin de notre grenier sous un bon tas de poussière. Cependant leur statut a changé, elles ont été mises au devant de la scène. Comment ? Parce que Michel Frizot l’avait décidé. Pourquoi ? Parce qu’elles dégageaient quelque chose de particulier, parce qu’elles faisaient « énigme ».

Peut-on alors simplement parler de photographie et éluder la seconde partie : « d’art » ?

Travaillant sur le potentiel d’utilisation de la photographie « d’art » en classe de FLE dans le cadre de mon mémoire je m’interroge. Je suis consciente que l’appellation ne convient pas mais j’ai le sentiment que parler simplement de photographie serait bien trop large. J’ai envie que la photographie dont je parle soit porteuse d’une certaine dimension culturelle, qu’elle ait une valeur reconnue. Je parle ici des supports que je pourrais utiliser, mais je n’exclus pas de pouvoir utiliser la photographie en production, d’impliquer des apprenants. On pourrait probablement envisager –et cela s’inscrirait parfaitement dans une perspective actionnelle–  de leur proposer de rassembler leurs images, de faire leurs choix et d’organiser à leur tour une petite exposition qu’ils pourraient commenter, tout comme Michel Frizot le fait. D’un point de vu didactique les nombreuses photographies sans titre m’ont aussi intriguée, si elles en avaient eu un qu’aurait-il été ? Donner un titre, un exercice relativement simple mais qui peut être très intéressant je pense.

Revenons un peu sur l’exposition. C’est assez absorbant, on se promène, on ne regarde pas tout mais c’est ce qui est beau je trouve, on se laisse porter par nos émotions qui nous attirent vers certaines images et pas vers d’autres. On a le choix, on est libre de poser notre regard où bon nous semble, de passer deux minutes devant une photographie et une fraction de seconde devant une autre. La plupart des photographies sont en noir et blanc ou en sépia, cela donne une certaine unicité à l’espace de l’exposition et fait aussi ressortir avec magnificence le peu de photographies en couleurs. (L’image choisie pour la couverture du livre de l’exposition est d’ailleurs en couleurs.)

Michel Frizot a fait le choix de dispatcher ses photographies en plusieurs espaces ou plutôt sous plusieurs sections puisque les espaces sont en fait assez similaires. Des catégories présentant des éléments différents qui font l’énigme puisque c’est le thème de l’exposition. Mr Lumbroso nous avait dit en cours qu’un bon texte littéraire était un texte qui présentait des résistances, on pourrait probablement dire un texte qui « fait énigme ». Si l’on considère comme Michel Frizot que « toute photographie fait énigme » alors elle est part définition interrogation et sujet à la discussion, à l’échange et au partage.

 

Je choisis pour finir de citer ci-dessous  les sections dont j’ai fait mention précédemment, des sections dont les titres sont des éléments de réponse à la question « qu’est-ce qui fait énigme ? »

 

En espérant que  cela puisse rendre compte, au moins un peu, de ce que j’ai pu voir.

 

« Les configurations inédites – La saisie photographique crée des archétypes formels spécifiques ; un imaginaire stabilisé de l’instabilité invisible ».

« La résolution esthétique – Les intentions formelles du photographe produisent une esthétique déroutante ».

« La figuration déréglée – Dans le registre convenu de la pose, c’est le sujet photographié qui se révèle lui-même incongru. »

« L’énigme de l’attention – Ce qui est exhibé par l’image photographique déroge aux habitudes perceptives ».

« L’énigme du contexte – L’acte photographique fait surgir des situations, des expressions et des gestes aux significations indiscernables ».

« L’énigme de la relation – L’image photographique implique le regardeur dans une relation singulière avec le sujet photographié, les yeux dans les yeux ».

« La profondeur du regard – Avec la stéréoscopie, le regard est désorienté par les effets de présence visuelle, mais aussi fasciné par l’expérience d’un espace dilaté ».

« L’esprit du lieu – La seule ordonnance topographique porte à l’étonnement ».

« L’espace du regard – les associations internes auxquelles procède le regard demeurent hermétiques ».

« Les options du photographe – les choix de point de vue, de cadrage, de posture déterminent des configurations et des rapprochements inopinés ».

« Les assemblages équivoques – la complexité des procédures photographiques et leur couplage avec les pratiques picturales et manuelles ont modifié l’imaginaire des représentations ».

 

Lien vers la page web de l’exposition : http://www.mep-fr.org/evenement/toute-photographie-fait-enigme/

 

J’ai investi dans le livre de l’exposition et après réflexion si je devais en mentionner un seul, en lien avec mon mémoire, ce serait celui-ci. 

Maude CAPMAN

Etudiante en Master 2, parcours recherche, à l’université Sorbonne Nouvelle – Paris III

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Georges Didi-Huberman dans Télérama du 12/12/12

Le magazine Télérama publie cette semaine un entretien avec Georges Didi-Huberman dont un des ouvrages est à l’étude dans le cercle d’étude « constellation » : excellente occasion pour tous de découvrir rapidement la richesse de l’oeuvre de ce chercheur qui tente de penser les images et l’histoire des images dans notre société aujourd’hui. Des pistes très importantes sont dessinées par Didi-Huberman pour nous qui tentons de penser les images dans les pratiques scolaires d’apprentissage et d’enseignement. En voici quelques-unes:

– comment faire toute sa place aux « singularités » alors qu’on veut enseigner quelque chose qui souvent se réduit à une définition, à du général ?

– comment pratiquer le « montage » au lieu du « mot d’ordre » dans une didactique de la surprise et de l’altérité qui veut faire toute sa place aux expériences de ceux qui apprennent et d’abord vivent ?

– comment articuler les chefs-d’oeuvre et toutes les « images » qui participent à la vie de tous les jours en évitant les séparations et en apprenant la critique ?

– comment tenir ensemble des temporalités diverses en donnant sa place aux « hétérochronies » et donc aux conflits dans des séances et des projets avec les images?

– comment ne pas rester bouche bée quand l’expérience engage le langage ? comment faire face à la puissance des images ?

Serge Martin

Professeur de littérature contemporaine de langue française
DILTEC (EA 2288) et THALIM (UMR 7172), Université Sorbonne Nouvelle Paris 3
Responsable du Master 2 DFLE spécialité 1 recherche
Ecrivain sous le nom de Serge Ritman

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L’Enfant & la Photographie : une exposition


L’Enfant la Photographie est la première exposition d’envergure, au niveau international, sur ce thème. Elle met en évidence l’évolution au cours du temps de la représentation de l’enfant et de la place de la photographie d’auteur dans les livres qui lui sont destinés.

Galerie des bibliothèques, 22 rue Malher, 75004 Paris

du mercredi 14 novembre 2012 au dimanche 17 février 2013

Du mardi au dimanche, de 13 heures à 19 heures

Nocturnes les jeudis jusqu’à 21 heures

Fermeture les 25 décembre et 1er janvier.

Entrée 6 €, tarif réduit 4 €, demi-tarif 3 €

Visites de groupe, école et centre de loisirs morgane.menad@paris.fr ou au 01 44 59 29 60

La thématique de l’enfant et la photographie est abordée sous trois aspects :

– l’enfant photographié – de l’intime album de famille aux mises en scène dans des  studios, aux portraitsd’enfants dans la guerre ou au service de la propagande ;

– l’enfant et ses « photo-livres » du tout premier livre publié en 1846 jusqu’à l’explosion des collections de livres illustrés par des photographes créateurs dans les années 1990 dans tous les genres : fiction, albums et de documentaires ;

– l’enfant photographe – photographies prises par les enfants au cours d’ateliers avec des photographes : en Palestine, à l’école de la Julienne à Paris, à Marrakech avec des pictogrammes des enfants de La Palmeraie.

En filigrane, le parcours de l’exposition retrace l’histoire de la photographie et ses enjeux à travers ses différents supports – daguerréotype primitif avant 1848, plaque de verre, cartes de visites… et de ses grandes époques – photo humaniste, vernaculaire, réaliste…

Aux détours de ce parcours, on croise le regard d’artistes, « maîtres de la photo-graphie » qui ont offert aux enfants de véritables chefs d’oeuvres : Edward Steichen, André Kertész, Léon Gimpel, Robert Doisneau,Henri Cartier-Bresson, Ergy Landau, Laure Albin Guillot, Dominique Darbois, SarahMoon, Karel Capek, Emmanuel Sougez, Pierda, Ylla, Piet Maré, Tana Hoban, Kathy Couperie, Claire Dé, Bogdan Konopka, Bruno Boudjelal, et beaucoup d’autres.

Ce sont près de 250 livres et une cinquantaine de tirages photographiques originaux du XIXe siècle à nos jours qui sont présentés avec une scénographie originale. Une cabane de lecture offre aux enfants la possibilité de feuilleter près de 200 livres de photos (rééditions, éditions contemporaines).

La grande majorité des documents présentés dans l’exposition appartient aux collec-tions du fonds historique de la bibliothèque l’Heure joyeuse, bibliothèque spécialisée de la ville de Paris. Cette collection unique en France rassemble plus de 1000 documents du monde entier – français, hollandais, tchèques, russes, polonais, suédois, italiens, anglais, américains, japonais…– et des photographies conservées dans les archives de l’Heure joyeuse, dont celles d’André Kertész. Viennent s’ajouter dans l’exposition desoeuvres empruntées à la bibliothèque royale du Danemark, à laBnF-CDLJ-Joie par les livres, à la bibliothèque Forney, au Musée d’Orsay, Musée Niepce de Chalonsur-Saône, Musée français de la photographie, à la Société française de photographie, au Libraire Serge Plantureux et à des particuliers.

Exposition conçue par la bibliothèque l’Heure joyeuse

commissaires de l’exposition  Françoise Lévêque

responsable du fonds historique de la bibliothèque l’Heure Joyeuse, en collaboration avec Hélène Valloteau, conservateur à la bibliothèque l’Heure joyeuse.

L’exposition donnera lieu à une journée d’études et de débats le vendredi 25 janvier 2013.

 

AUTOUR DE L’EXPOSITION

Expositions et ateliers à la bibliothèque l’Heure joyeuse, 6/12, rue des Prêtres Saint-Séverin.

En parallèle, sont présentées les collections contemporaines et des oeuvres d’avant-garde, figurant au catalogue des éditeurs pour la jeunesse, une exposition sur Claire Dé et un atelier avec cette artiste. Un atelier photo avec la revue DADA est également proposé à la bibliothèque.

Ateliers destinés aux enfants de 8 à 12 ans à la Galerie des bibliothèques, 22 rue Malher.

« L’image dans la boîte »

capturer la réalité Atelier pour expérimenter le principe de la chambre noire, comprendre ses applications (dessins, perspectives) et évoquer quelques principes d’optique. L’enfant découvre des inventions comme la camera obscura, la camera lucida et fabrique un sténopé. Atelier mené par Lisa Rossi, historienne de l’art et photographe.

Dimanche 25 novembre – 15 heures

« La photo argentique »

Un animateur de Lomography, partenaire de l’exposition, propose aux enfants d’utiliser l’appareil Fisheye 2 (de Lomography) pour découvrir la photographie argentique de manière ludique et toutes les possibilités créatives qu’offre la lomographie. Les enfants recevront leurs photos sur CD et les tirages en souvenir de cet atelier découverte.  Samedi 8 décembre – 14 heures

(deux autres dates prévues en janvier et février)

« Animer l’image »

Lors de l’atelier, l’enfant apprend le principe de persistance rétinienne, le fonctionnement de l’image animée et du procédé de la lanterne magique et du cinéma. Fabrication d’un thaumatrope (un jouet optique). Atelier mené par Lisa Rossi, historienne de l’art et photographe.

Samedi 22 décembre – 15 heures

(inscriptions au 01 44 78 80 60)

http://www.paris-bibliotheques.org

 

 

Serge Martin

Professeur de littérature contemporaine de langue française
DILTEC (EA 2288) et THALIM (UMR 7172), Université Sorbonne Nouvelle Paris 3
Responsable du Master 2 DFLE spécialité 1 recherche
Ecrivain sous le nom de Serge Ritman

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