Archives par mot-clé : cinéma

Madame Hyde

Samedi soir, je suis allée à la Gaité Lyrique dans le cadre des Inrocks Festival 2017 pour assister à la projection en avant-première du film Madame Hyde du cinéaste français Serge Bozon.

« En 2012 avec Tip Top, son troisième long métrage, Serge Bozon insufflait une douce excentricité dans le paysage du jeune cinéma français. C’est naturellement que les Inrocks, qui suivent avec attention le travail du cinéaste depuis ses débuts, l’ont convié pour présenter son nouveau film Madame Hyde. Dans cette inspiration de l’oeuvre de Stevenson, Docteur Jekyll et Mister Hyde, Isabelle Huppert, dont c’est la deuxième fois chez Bozon, incarne Madame Géquil, une maladroite prof de physique qui après avoir été littéralement foudroyée se retrouve habitée par une énergie folle et mystérieuse. » https://gaite-lyrique.net/madame-hyde

Vous n’êtes pas dupes, il n’y a là-dedans aucun lien direct avec la didactique des langues, je vous l’accorde. Mais comme j’ai beaucoup aimé Madame Hyde, je tenais tout de même à partager cette découverte cinématographique avec vous. Surtout que ce n’est pas si fréquent, dans un film ayant pour sujet central l’éducation, que la classe (bien que fictionnelle) existe, existe vraiment.

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Pauline Rigaldie

Étudiante en M2 spécialité 1 « Didactique du français langue étrangère et langues du monde » à l’Université Paris 3 Sorbonne-Nouvelle

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Invitation pour une avant-première cinéma : atelier de conversation

Invitation à une avant-première du film ATELIER DE CONVERSATION de Bernhard Braunstein au Musée National de l’Histoire de l’Immigration. Ce film a été projeté en ouverture du dernier festival international du documentaire  « Cinéma du Réel » et sera distribué au cinéma début février 2018 accompagné de ciné-débats avec divers intervenants.
Dans la Bibliothèque Publique d’Information (BPI), au Centre Pompidou à Paris, des personnes venant des quatre coins du monde se rencontrent, chaque semaine, dans « l’Atelier de conversation » pour parler français. Des réfugiés de guerre côtoient des expatriés cadres d’entreprises, des étudiants venus du monde entier croisent des victimes de persécutions politiques. Malgré leurs différences, participantes et participants partagent un objectif commun : apprendre la langue et trouver des alliés pour pouvoir (sur)vivre en France.
 
Quelques images au lien suivant : https://vimeo.com/220849488
Accès à l’apprentissage du français, accueil des étrangers, regards qu’ils portent sur notre pays, lutte contre les préjugés et le racisme… Autant de thèmes qui sont abordés par ce film.
Avant-première du film
ATELIER DE CONVERSATION
de Bernhard Braunstein
(2017, 1h12)
Une avant-première à L’INALCO le 14 décembre prochain.

Serge Martin

Professeur de littérature contemporaine de langue française
DILTEC (EA 2288) et THALIM (UMR 7172), Université Sorbonne Nouvelle Paris 3
Responsable du Master 2 DFLE spécialité 1 recherche
Ecrivain sous le nom de Serge Ritman

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Projet de mémoire : Faire du cinéma en classe de FLE

Le cinéma, tel qu’il nous est familier aujourd’hui, est autant une industrie et une forme de divertissement populaire qu’un art complexe, qu’il convient de soumettre aux apprenants comme tel, au même titre que la peinture, la photographie, le théâtre ou encore la littérature. Il est depuis longtemps déjà bien ancré dans les pratiques au quotidien des adolescents et des jeunes adultes. C’est un support qu’ils connaissent bien et abordent de façon assez intuitive. C. Compte expliquait déjà il y a une vingtaine d’années qu’il est important de ne pas évoluer en décalage avec les habitudes extra-scolaires des apprenants et qu’il faut même plutôt extraire le potentiel de leur harmonie avec ce média (1993 : 7). En classe de Français Langue Étrangère (FLE), l’objet filmique francophone constitue un document authentique vif et stimulant car même s’il est toujours préalablement écrit, il met souvent en scène des locuteurs natifs dans des situations de la vie quotidienne. De ce fait, le support cinéma, une fois didactisé, offre à l’apprenant qui entend en classe ce français-parlé, de multiples ressources aussi bien communicatives que linguistiques et culturelles — en d’autres termes : « [l]e cinéma est un langage. » (Bazin, 1985 : 17). Il semble donc possible de solliciter l’expression orale et la créativité d’un groupe d’apprenants à partir du cinéma.

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Pauline Rigaldie

Étudiante en M2 spécialité 1 « Didactique du français langue étrangère et langues du monde » à l’Université Paris 3 Sorbonne-Nouvelle

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Journée d’études Kinétraces « Séances des années folles. Salles pratiques, technique »

Bonjour à tous! J’aimerais partager avec vous une journée d’études qui aura lieu Vendredi 2 juin  2017 dans les locaux du CNC, donc 32 rue Galilée (75016, Paris ) et 12 rue de Lübeck (75016, Paris). Cette journée est  conçue par l’association Kinétraces autour de la notion séance cinématographique et théâtrale dans la France des années 1920.

Entrée libre !

 

 

Si cela vous intéresse, voici le programme

https://www.facebook.com/events/1924784687797832/?acontext=%7B%22ref%22%3A%223%22%2C%22ref_newsfeed_story_type%22%3A%22regular%22%2C%22action_history%22%3A%22null%22%7D

9h : accueil des participants au CNC, 32 rue Galilée (75016, Paris)

9h30 : présentation du projet « Séance » et de la journée d’études par Manon Billaut, Emmanuelle Champomier, Agnès Curel, Céline Pluquet, et Élodie Tamayo

PANEL 1 / LES SALLES

10h : Ouverture du panel par le président de séance : Laurent Véray (Université Paris 3)

10h10 : Jean-Jacques Meusy (CNRS) : « Évolution de la séance de cinéma, des origines aux années 1920 »

10h40 : Shahram Abadie (Ensa Clermont-Ferrand) : « Le cinéma sur la scène architecturale et urbaine. Les salles parisiennes des « Années folles » »

11h10-11h30 : Pause

11h30 : Christophe Gauthier (École nationale des Chartes) et Marco Consolini (Université Paris 3) : « Le Vieux-Colombier, un espace de culture théâtral et cinématographique »

12h10 : Annie Fee (University College London) : « Aller au cinéma à Paris pendant les années 1920 : une approche spatiale de l’histoire des salles de cinéma »

12h40 : Questions

Déjeuner

PANEL 2 / LES PRATIQUES

14h30 : Ouverture du panel par le président de séance : Laurent Guido (Université Lille 3)

14h40 : Marylin Marignan (Université Lyon 2) : « Unicité de la séance : de l’accompagnement musical aux intermèdes »

15h10 : Charlotte Servel (Université Paris 7) : « Les salles obscures des surréalistes »

15h40 : Questions

16h-16h20 : Pause

PANEL 3 / LES TECHNIQUES

16h20 : Ouverture du panel par le président de séance : Patrick de Haas (Université Paris 1)

16h30 : Cristina Grazioli (Università di Padova) : « Espaces partagés : les relations entre lumière, projection, espace. Réflexions et expérimentations (1910-1930) »

17h : Enrico Camporesi (Labx CAP, CRAL, EHESS) : « La séance et l’atelier – notes à partir de la soirée Dada du Cœur à barbe »

17h30 : Questions

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Soirée de projection précédée d’un buffet au 12 rue de Lübeck, 75016, Paris.

19h40 : Présentation de « La Tierra de los torros » (Musidora, 1924) par Marién Gómez Rodríguez.

20h : Projection du film, avec reconstitution des intermèdes chantés et dansés (100’).

 

 

Bing LIANG

Etudiante de M2, spécialité 1, didactique du français langue étrangère et langues du monde à Paris 3.

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Et si on allait au cinéma ?

En allant à la Bibliothèque Nationale de France, je suis tombée, par hasard, sur l’affiche de l’avant-première d’un film, dont le titre, Á Voix Haute – La force de la parole, a éveillé ma curiosité. La promesse de la présence du réalisateur a été suffisante pour me séduire complètement et, me voilà, dans l’ambiance feutré de la salle de cinéma, en train de rire et de me questionner devant un film passionnant, drôle, dramatique et surtout tellement proche du monde estudiantin.

Pour éclairer le contexte, le film Á Voix Haute est un film documentaire de Stéphane de Freitas qui reflète la préparation d’un groupe d’étudiants de l’université de Saint Denis Paris 8 au concours Eloquentia, crée afin d’élire le meilleur orateur de Saint Denis. Ainsi, tout au long du film on suit le groupe d’étudiants, venus de tous les horizons disciplinaires, lors de leur préparation intensive au concours. Ce groupe devient presque la famille Eloquentia, la famille de cœur. On découvre leur parcours personnel semé d’embûches et, en passant par des exercices d’éloquence, de slam, de jeu de rôle, on découvre également que notre parole est une arme de combat.

Le film reflète une aventure humaine un peu à part car les étudiants révèlent leur talent exceptionnel et, ayant un sens aigu de l’esprit d’équipe, progressent très vite. Avec sincérité, ils nous décrivent leur rapport à la parole, qui s’avère plus difficile que celui à l’écrit. En effet, l’écrit est solitaire, la parole, il faut la partager et, pour cela, il faut trouver une voix. Si on n’arrive pas à trouver notre voix, les rapports aux autres mutent. Comment trouver ces phrases justes qui sonneront comme un coup de tonnerre dans la nuit ? C’est le but de la préparation au concours.

Cette formation a eu lieu tous les samedis et a duré six semaines, ce qui était un délai très court pour apprendre à argumenter, à convaincre et à avoir aussi une parole libre pour pouvoir parler sans ses notes. Une centaine des candidats d’Eloquentia se sont battus dans les salles de TD de Paris 8 afin d’accéder à la finale et ainsi devenir ambassadeur de la liberté d’expression. Lors du concours les étudiants se penchent sur les sujets de débats comme, par exemple, L’erreur est-elle un droit ? ou bien La réalité est-elle mieux que le rêve ? Les étudiants qui ont participé au film étaient également présents dans la salle. Selon eux, les sujets de concours étaient assez vastes, ainsi, grâce aux « pirouettes verbales », ils ont pu débattre sans aller à contre-courant de leurs idées. Par exemple, en défendant, que le meilleur n’est pas à venir, ils ont avancé que le meilleur n’est pas à venir mais à chercher…Selon eux, ils ont pu garder leur esprit d’équipe car personne ne perd Eloquentia s’il y en a un d’entre eux qui gagne.

Grâce à l’intervention de Stéphane de Freitas on en apprend plus sur les coulisses de cette aventure humaine. En effet, il y a cinq ans, avant que le projet du film ne soit né, il a eu l’idée de créer le concours Eloquentia visant un double objectif. D’une part, Stéphane de Freitas a voulu créer une formation de préparation au concours qui met en place une pédagogie de développement personnel via la prise de parole en public. Cette formation, comme a précisé le réalisateur, a été créée non pas pour développer l’éloquence des sophistes, mais pour permettre aux étudiants de gagner en confiance en soi. Ainsi, l’axe majeur de la pédagogie est de faire un « voyage » à travers différents contextes de prise de parole. Par exemple, les étudiants doivent se familiariser avec la prise de parole en milieu professionnel, ainsi qu’aux discours classiques, ils font également du théâtre. Cette formation de préparation est appelée également à transmettre aux étudiants trois valeurs fondamentales. La première est le respect des opinions des autres. La deuxième est le questionnement : tout au long de la formation on incite des étudiants à commenter les prestations d’autres étudiants, cela les aide à nourrir la réflexion sur leurs prestations. La troisième valeur est la bienveillance, car, dans une société où le dialogue s’avère parfois tendu, il faut accepter de recevoir la parole de l’autre.

D’autre part, venant lui-même du 93, Stéphane de Freitas voulait montrer que l’image que l’on crée de la jeunesse de banlieue est caricaturale. Par conséquent, son film Á Voix Haute traduit non seulement son engagement artistique mais aussi son engagement militant. En effet, il voulait déprogrammer les concepts que l’on fait des jeunes de banlieue, à la suite desquels on finit par les convaincre que l’échec est imminent. Ainsi, afin de détruire, en restant dans la réalité, ces stéréotypes et de donner l’image de la banlieue comme on devrait la voir, Stéphane de Freitas a décidé de créer un film documentaire sur les jeunes ordinaires qui sont loin de la violence.

Aujourd’hui, le projet Eloquentia ne fait que monter, Stéphane de Freitas reçoit des centaines de demandes provenant de collèges et de lycées de toute la France et espère faire d’Eloquentia le plus grand concours de prise de parole en France. Selon Stéphane de Freitas, même si le concours discerne le meilleur orateur de Saint Denis, cette distinction est purement symbolique car il y beaucoup d’autres jeunes talentueux qui auraient pu l’être. Le concours permet juste de créer un moment culturel symbolique important. En effet, la formation de préparation n’est ouverte qu’aux jeunes inscrits à l’Université Paris 8 mais le concours est ouvert à tous les jeunes du département de Saint-Denis qui ont entre 18 et 30 ans. Parti du 93, Eloquentia se développe à Nanterre, à Limoges et à Grenoble. Le réalisateur a ajouté que, malheureusement, aujourd’hui tout le monde parle sur Instagram, Twitter et Facebook mais personne ne s’écoute, il n’y a presque plus d’espace pour le dialogue réel. Le temps du concours est le moment où tout le monde se ressemble et s’écoute.

Grâce à ce documentaire on apprend beaucoup de choses sur la parole, par exemple, que le public retient plus l’attitude d’un orateur : ses gestes et son regard. On apprend comment s’articulent les parties du discours et comment on produit le slam, les mots qui claquent. On réfléchit également à notre rapport à la parole, à son pouvoir et si les bons mots, pour défendre nos idées, nous ont déjà manqué…J’ai réfléchi également, au contexte du FLE et au rôle du français parlé. Je peux dire qu’en regardant le film Á Voix Haute on vit une aventure, tant éducative qu’humaine.

 

 

 

Marie T.

M2 Didactique des langues

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Le cinéma, média, vidéo et audio-visuel, quels rapports ?

Suite à une petite synthèse sur la production pédagogique, le mois dernier,  finalement, je trouve qu’elle était encore flou. Pour aller plus loin et plus profonde, ces temps-ci, j’ai lu pas mal de livres pour bien cerner la question. Viser à nos objectifs,  les théories qui traitent autour de nos mots clés du mémoire de recherche qui pourrons être le premier levier pour nourrir nos connaissances.  Nous devons résoudre les problèmes au lieu de les éviter.  J’aimerais partager avec vous ce  « fruit » peut-être utile.

L’utilisation du cinéma, plus précisément, l’utilisation des exploitations du cinéma en classe de langue portent souvent, d’abord, sur les rapports entre les média et la didactique des langues qui sont à la fois constants et nombreux. Le cinéma, en tant que l’un des média majeurs, au carnaval de l’histoire pédagogique et dans la didactique des langues étrangères, tient aujourd’hui un des rôles principaux, qui peuvent servir à diffuser de contenus d’apprentissage de langue[1] (Jean Pierre Cuq , 2003 :163). Les média ont eu essentiellement deux incarnations, d’inégale importance ; la diffusion technologique massive de programmes d’enseignement (cours par radio, télévision, cinéma, etc.) et les célébrissimes « méthodes audio-visuelles »[2], l’explique Louis Porcher (1981: 4). Dans un ouvrage coordonné par Jean-Pierre Cuq (2003 : 28), le terme « audio-visuelle » à savoir ce qu’on entend par l’utilisation de supports audiovisuels que ce soient une bande annonce, un extrait de film, un documentaire, etc.. Nous citons :

« […]les méthodes audio-visuelles associaient des enregistrements sonores d’exercices, énoncés ou récits à des séquences d’images projetées sur un écran à partir de films fixes. […]le premier prototype européen de méthode audiovisuelle : voix et image de France (VIF) ; dont la mise au point  et l’expérimentation,allaient servir de base à l’élaboration progressive de la problématique SGAV (structuro-global audiovisuel).. . »

La question de cinéma et vidéo[3], d’après Philippe Dubois (1988 : 267), est une question ouverte.  Pour aborder cette question ouverte, il a précisé dans son ouvrage :

« nous avons donc pris un biais : celui du cinéma (ce n’est pas le plus simple). Non pas le cinéma contre (versus) la vidéo, mais le cinéma et (avec) la vidéo, les deux ensemble, en même temps, à l’horizon d’un seul et même regard.[…] Dans le cinéma, là où la vidéo n’apparaît pas[…] le cinéma et vidéo sont interpénétrations.»

La vidéo est à la fois un véhicule culturel et un outil servi par le cinéma avec ses débouchés pédagogiques. Elle n’est pas un spectacle, non plus, l’image étant au service du professeur et non l’inverse. Cependant, l’accent sur le cinéma, en tant que support audiovisuel, qui devient un nouveau objet s’ouvrant de nouvelles perspectives et de nouveau types d’analyse permettant aux apprenants chinois de favoriser leurs compétences langagières. C’est ce qui nous intéresse dans l’enseignement du FLE en Chine.

[1] Jean Pierre Cuq, 2003,  Dictionnaire de didactique du français langue étrangère et seconde. Paris : CLE International.

[2] Louis Porcher, 1981,  Des média dans les cours de langues. Paris : CLE International.

[3] Philippe Dubois, Marc-Emmanuel Melon, Colette Dubois,  1988,  Article : Cinéma et vidéo : interpénétration. In: Communications, 48, Vidéo. pp. 267-321.

Bing LIANG

Etudiante de M2, spécialité 1, didactique du français langue étrangère et langues du monde à Paris 3.

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Accès libre.

Bonjour à mes chères(chers) camarades. J’aimerais partager avec vous une petite information sur le cinéma, ici, plutôt cinéma du réel.

Mercredi 29 mars, à 17H, dans Salle 49, à Censier!

En présence de Fayçal HAMMOUM, qui est réalisateur du documentaire « Vote Off » sur les élections présidentielles d’avril 2014.

L’entrée sera libre. Si vous êtes toujours intéressé par la projection du « Vote Off », vous pouvez y aller. Communiquez avec ce jeune réalisateur.

 

Bing LIANG

Etudiante de M2, spécialité 1, didactique du français langue étrangère et langues du monde à Paris 3.

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Tant d’expériences dans une en partage

youssefLe samedi 28 janvier 2017, à 15h, au Pavillon du Carré Baudoin, dans le 20ème arrondissement de Paris, était projeté le premier film du festival ciné Ménilmontant https://www.facebook.com/festivalcinemenilmontant/. Il s’agissait du documentaire de Sylvain Piot, au titre énigmatique de Youssef le Guembri1. Il y manque quelque chose… un verbe… une copule… un connecteur… c’est certain, il manque au moins une virgule… ou même un point d’exclamation ! L’histoire, elle, est très facile à retenir : Youssef fabrique l’instrument avec lequel il va jouer sa musique. Voilà tout. Le réalisateur a donc filmé le musicien, que l’on découvre ici dans son costume de luthier-menuisier-ébéniste.

Youssef est arrivé d’Essaouira, on ne sait ni quand ni comment. Toujours est-il qu’il est maintenant ici, et que de là-bas, il a rapporté avec lui tout son vécu, constitutif de son histoire et de son être. Son expérience de l’exil, il la réduit à ces quelques mouvements : « Essaouira – Paris ; Paris – Trappes 78 ; Trappes – Strasbourg-Saint-Denis ». Les déplacements et le déplacé sont alors comme vidés de leur.s sens, désincarnés, dés-assujettis, réduits à des noms de lieux qui eux-mêmes se réduisent à un assemblage de lettres. Cette perte de sens indique une direction : Youssef est ici et il l’est maintenant. C’est partout pareil, en quelque sorte. Et bien qu’il ne soit pas parvenu à reproduire sa vie d’avant, ici, en région parisienne : « J’ai essayé d’ouvrir une boutique, mais ici, ça marche pas pareil. », il n’a pas pour autant renoncé à son identité – plurielle et singulière. Car s’il raconte une ville, c’est bien celle d’Essaouira : « Les murs d’Essaouira, ils jouent le gnawa, le vent il joue la musique. T’as le rythme. ». C’est cette ville qui l’habite. C’est elle qui l’a vu devenir ce qu’il est et qui a fait de lui ce qu’il est. « Le gnawi, c’est un statut, c’est un visage. (…) Moi je fais partie de ça, moi. » Et où qu’il soit, « ça » fait partie de lui. Où qu’il soit, avant tout, il est un gnawi. Cette culture gnawa est constitutive de son être, plus que n’importe quelle autre expression culturelle ou cultuelle. Y renoncer, ce serait renoncer à toute sa personne. C’est sa façon d’être au monde et il veut rester au monde. En cela, il se réincarne, il se ré-assujetti. Un gnawi fabrique son instrument, alors il va le fabriquer : « J’ai décidé de faire mon instrument comme les anciens. Pas besoin de machines électriques. » Il va fabriquer son instrument du début – du film – jusqu’à la fin – du film. Nous le verrons choisir les baguettes de bois, les scier, les assembler, au bord de la Seine, au bord du Canal, dans des parcs, dans la rue… Peu importe où, puisque c’est lui qui fait lieu.

Il fabrique son instrument et il raconte l’histoire de cette fabrication. Il raconte à celui qui le filme. Et celui qui le filme nous le raconte à son tour. Nous n’entendons pas cette voix et pourtant c’est sa voix qui parle, dans ce documentaire. C’est sa voix qui porte celle de Youssef, qui ne soliloque pas, puisqu’il s’adresse à lui qui s’adresse à nous. Ce sont encore les voix prises alentour qui portent le film : cet enfant qui, observant la caisse brute de l’instrument, s’exclame « un bateau ! » et sur laquelle Youssef rebondit en souriant mais sans s’adresser directement à l’enfant, qui est déjà loin : « L’instrument, à la base, c’est un bateau. » Ou encore cette voix d’un comédien en représentation, en plein air, et qui demande depuis l’autre rive : « Est-ce que les choses arrivent d’elles-mêmes ? Sont-elles déjà écrites ? » Ces questions en suspens dont on n’aura pas la réponse, mais que l’on voit s’énoncer sous nos yeux : Youssef écrit son instrument autant que l’instrument l’écrit. Il fabrique un instrument, et il sait que de lui seul dépendra le son qu’il parviendra à en faire sortir. Il ne fabrique pas seulement un instrument : il fait vivre une musique qui, sans l’instrument, ne pourrait pas vivre. C’est cette responsabilité qui lui incombe. Et en même temps qu’il fabrique le guembri, il se fabrique lui-même. Et sous nos yeux se déploient non seulement la musique mais aussi l’homme, le musicien. L’une – la musique – et l’autre – Youssef le gnawi – sont co-existants de l’instrument. Sans lui, ni l’une ni l’autre ne peuvent s’exprimer, exister et vivre. Le processus de fabrication d’un instrument c’est celui de soi : l’instrument fabrique le musicien tout autant qu’il est fabriqué par lui. C’est ce processus de co-construction qui est saillant dans le film. Le musicien, la musique, l’instrument, les trois ne font qu’un. Et l’on comprend qu’au titre, il ne manque rien, pas la moindre virgule : c’est bien lui, Youssef le Guembri.

1Youssef le Guembri, Sylvain Piot, France, 2016, film documentaire

Magali Dermont

M2 Didactique des Langues spécialité 1 option A

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35e FESTIVAL INTERNATIONAL JEAN ROUCH

Pour tous les amoureux des films documentaires, mais aussi pour nous, rédacteurs de mémoire de recherche (ou les deux), à ne pas rater le cinéma ethnographique à Paris du 4 novembre au 6 décembre 2016 !

Le festival est en honneur de Jean Rouch, cinéaste ethnologue français, connu pour sa pratique du « cinéma direct ». Son œuvre très riche et plusieurs fois récompensée consiste en documentaires ethnographiques (Maîtres fous ; Sigui synthèse), sociologiques (Chronique d’un été), mais aussi de fiction (Moi, un Noir ; Cocorico Monsieur Poulet). [1]

a-walnut-tree2-1024x576Cette année, le festival sera le lieu de rencontres, d’échanges, de débats, de 64 projections dont 26 films en compétition de tous les continents ! Le jury international va déscerner 8 prix de différentes catégories.

On peut y trouver toute une panoplie des thèmes socio-culturels et des sujets éternels de polémique tels que la migration, les préjugés, les stéréotypes, les différences etc.

Accès libre et gratuit.

Le programme du festival :

http://comitedufilmethnographique.com/wp-content/uploads/2016/10/FIJR2016_programme.pdf

Toutes les informations sur le festival :

http://comitedufilmethnographique.com/event/festival-international-jean-rouch-2016/

Lieux :

  • Musée du quai Branly

37 quai Branly, 75007 Paris

  • INALCO

65 rue des Grands Moulins, 75013 Paris

  • EHESS

105 Bd Raspail, 75006 Paris

  • Musée de l’Homme

17 Place de Trocadéro, 75016 Paris

 

[1] http://comitedufilmethnographique.com/jean-rouch/

Source d’image: http://comitedufilmethnographique.com/film/a-walnut-tree/

Marija Apostolović

Étudiante en M2 DFLE, spécialité 1, option A

Université Sorbonne Nouvelle Paris 3

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Festival Ecrans de Chine 2016 à Paris

La sixième édition du festival de films documentaires chinois du 3 novembre au 6 novembre 2016, à Paris. Le festival les Ecrans de Chine met en lumière de jeunes cinéastes Chinois indépendants qui nous racontent leur pays de l’intérieur.

La programmation officielle du festival à Paris est la suivante :

JEUDI 3 NOVEMBRE 2016 :

VENDREDI 4 NOVEMBRE 2016 :

SAMEDI 5 NOVEMBRE 2016 :

DIMANCHE 6 NOVEMBRE 2016 :

  • 20H00 – L’ENTREPÔT : film « MONTAGNES DE POUSSIÈRES«
  • 22H00 – L’ENTREPÔT : film « HÉROS OU REBELLE? » / CLÔTURE DU FESTIVAL
  • Plus d’infos sur les sites:
  • http://www.ecransdechine.com/
  • http://www.ictv.fr/fr/event/festival-ecrans-de-chine-2016/
  •  Cinéma Entrepôt se  trouve au 14eme arrondissement, 7 rue Francis de Pressensé, 75014, Paris

 

 

Bing LIANG

Etudiante de M2, spécialité 1, didactique du français langue étrangère et langues du monde à Paris 3.

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Les aventures de Itzel et Sonia : Un film qui éduque ? Qui ? À quoi ? Comment ?

Les aventures de Itzel1 et Sonia à la recherche des gardiens de l’eau2

Le sujet est posé : le film traitera de l’eau, ce qui peut sembler de prime abord bien inquiétant pour qui s’attend à s’entendre dire une fois de plus qu’il-faut-bien-refermer-le-robinet-après-s’être-brosser-les-dents-en-ayant-utilisé-un-verre-à-dents-après-avoir-pris-une-douche-très-courte. Mais rapidement, le spectateur est rassuré : il ne recevra pas l’habituel sermon moralisateur et culpabilisant. Il ne sera pas montré du doigt dans sa vie quotidienne, accusé et acculé, mais interpelé par une petite fille (un personnage d’une grande force d’identification) et sa grand-mère et, comme elles, il sera concerné et consterné ; assailli d’une grande curiosité et d’un intérêt acquis pour son pays, sa géographie, sa mythologie et ses langues, des cultures qui lui sont dans le même temps familières – il en est l’héritier – et étrangères – elles lui sont lointaines et souvent méconnues. Les personnages incarnent des forces constructrices (les gardiens de l’eau) et des forces destructrices (le sans visage) qui coexistent et luttent. Il n’est pas ici question de bien et de mal, mais de forces en opposition. La voie off étaie le discours et nous rappelle à la véracité des mythes quand la réalité invisible nous échappe et nous fait croire à une pure invention fictive.

Mais il est déjà temps maintenant de sauter dans le courant de l’histoire…

Tout commence dans une salle de bains d’une maison de Mexico. « Grand-mère, y’a plus d’eau ! »3 crie Itzel qui prend son bain avec sa grenouille Sonia. L’eau ne coule plus et elle ne reviendra pas. C’est la grand-mère – figure emblématique d’un Mexique confronté à une situation économique qui expliquerait une inter-dépendance générationnelle dont les membres d’une famille tirent partie – qui prendra la décision d’aller à la recherche des gardiens de l’eau, soient des vieux amis que mamie n’a pas vus depuis longtemps.

Les voilà parties : la grand-mère, sa petite-fille et l’animal de compagnie, la grenouille. Entre parenthèse, le choix de l’animal n’est évidemment pas hasardeux puisque la survie immédiate et à court terme de l’amphibien dépend de la proximité d’une source d’eau.

Nous sommes embarqués très rapidement aux confins d’un Mexique traditionnel sinon disparu, du moins menacé et/ou en mutation. Elles vont y rencontrer de nombreux personnages qui vont les aider et les accompagner, chacune dans leur parcours initiatique. La petite fille va découvrir qui elle est et comment vivre avec l’absence de sa grand-mère qui elle, aura pris le temps de mourir. La grenouille va intégrer la mythologie contemporaine du Mexique en rejoignant les « gardiens de l’eau » qui semblent en être un des nouveaux visages.

Leur tour du Mexique – non exhaustif mais digne d’un tour opérateur spécialisé dans les cultures précolombiennes – nous fera passer par le Chiapas, l’Etat de Veracruz, l’Etat de Mexico, l’Etat de Querétaro, l’Etat de Oaxaca, l’Etat de Campeche, le Yucatan, pour terminer dans le Quintana Roo. Pour chaque région visitée, les langues indigènes locales seront représentées ; excepté le mam qui sera identifiée, toutes les autres langues en présence dans le film seront parlées, sous-titrées mais non identifiables à moins de les (re)connaître ou de faire des recherches en aval. L’usage intensif qui en est fait est justifié par l’histoire et son propos : faire parler les protagonistes dans la langue des origines est une façon de donner corps aux éléments et aux événements. C’est aussi un moyen de les faire entendre à de jeunes spectateurs qui n’ont pas nécessairement l’occasion de les fréquenter et d’en saisir l’étrangeté, voire la beauté. C’est enfin une manière de rappeler que l’espagnol, s’il est une langue du Mexique, n’en reste pas moins une langue parmi plus de soixante langues du Mexique.

Tout au long de ce voyage, les protagonistes vont entrer en contact avec le folklore mexicain et la mythologie maya, les jetant dans une œuvre qui peut s’inscrire dans le courant du réalisme magique.

Les chaneques, qui « reflètent notre nature combattive et nous enseignent que comme l’eau, on peut s’adapter à tous les changements » sont bien sûr présents dans l’inventaire. Les animaux emblématiques, réels ou imaginaires, tels que le caïman, le puma, le cerf et la sirène seront un lien entre le monde visible et le monde invisible. Les éléments naturels seront omniprésents : la lune accueillera la grand-mère ; le mancenillier, l’arbre le plus dangereux du monde, blessera Itzel qui saura trouver l’antidote qui la guérira ; les cenotes – ces puits naturels – contiennent l’eau ; le ceiba, l’arbre sacré des mayas, sur le tronc duquel apparaîtra l’image de la Vierge de Guadalupe, patronne du Mexique.

On pourrait y voir une volonté de transmettre aux jeunes générations l’idée qu’elles sont les héritières d’un patrimoine dont elles assurent en permanence la re-création continue et qu’elles transmettront à leur tour aux générations suivantes. Peut-être aussi, l’idée que chaque individu fait partie d’un tout et qu’il n’est ni le centre ni au centre mais le maillon – à la fois simple et irremplaçable – d’une chaîne. Les mythes passés ne sont pas morts, ils n’ont pas disparus : ils se réactualisent chaque jour, en nous et dans le monde qui nous entoure sous des formes nouvelles. C’est ainsi que ce film nous enseigne un monde depuis l’échelle macro-sociale – la culture – jusqu’à l’échelle micro-individuelle – les décisions prises par les individus. (Desjeux 2004)

C’est aussi l’illustration d’une expérience humaine : les morts continuent à vivre à travers nous, dans la mémoire et dans le coeur. Itzel l’apprendra bien vite quand sa grand-mère morte lui dira « Je te guiderai et je t’aiderai quand tu en auras besoin. » alors qu’elle sera, elle, encore vivante. Ce lien entre le monde des vivants et celui des morts est bien réel au moins à l’échelle de deux ou trois générations, puisque nous avons cohabité avec ceux qui sont maintenant morts et que nous cohabitons avec ceux qui nous survivront.

On pensait voir un film didactique sur la préservation de l’eau, et l’on se retrouve dans un conte à la fois didactique et initiatique où s’entremêlent le réel et l’imaginaire, le rêve et la réalité, le monde des vivants et celui des morts, à l’image de(s) (la) culture(s) mexicaine(s) au sein de laquelle coexistent deux mondes omniprésents, à l’intérieur desquelles cohabitent les dieux mayas et les saints catholiques, les rêves chamaniques et la médecine traditionnelle.

La fonction éducative du film, pour réductrice qu’elle est, n’en est pas moins évidente, si l’on écoute les propos de Hannah Arendt (1972) :

« L’éducation est le point où se décide si nous aimons assez le monde pour en assumer la responsabilité et, de plus, le sauver de cette ruine qui serait inévitable sans ce renouvellement et sans cette arrivée de jeunes et de nouveaux. »

Le propos du film est probablement plus qu’une invitation à surveiller sa consommation d’eau et il serait plus sage de chercher du côté d’une invitation au voyage où la connaissance de soi est intimement liée à la connaissance de sa propre culture. L’eau ne fut-elle ici qu’un filet conducteur ?

Quand la grand-mère invite l’enfant à l’introspection « Itzel, regarde en toi, tu y trouveras la vérité. » avec l’illustration d’un cœur qui bat dans un corps, on peut se demander qui est ce « toi » et quelle est cette « vérité ».

Quand Itzel, pour conclure, affirme « Je suis une gardienne de l’eau. », elle affirme par là son inscription dans une historicité et donc une culture à laquelle elle n’a pas échappée puisqu’elle (la culture) ne lui a pas échappée et qu’elle (l’histoire) s’écrit et s’écrie à travers elle. On peut se demander si les spectateurs qui se seront identifiés à Itzel percevront leur inscription dans l’histoire et l’inscription de l’histoire en eux.

1Nom de la déesse de la lune dans la mythologie maya

2Las aventuras de Itzel y Sonia : en busca de los guardianes del agua, (Les aventures de Itzel et Sonia : à la recherche des gardiens de l’eau), María Fernanda Rivero, Mexique, 2015, film d’animation, 59 mn

3Ibid (toutes les autres citations du texte sont tirées de ce film)

Bibliographie :

DESJEUX D. (2004) Les sciences sociales Que sais-je ?, Paris, PUF, pp. 6

ARENDT H. (1972), La crise de la culture, La crise de l’éducation, Paris, Gallimard, pp. 251

Magali Dermont

M2 Didactique des Langues spécialité 1 option A

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Festival de cinéma mexicain

L’édition 2016 du festival de cinéma mexicain en France débute le mercredi 5 octobre et court jusqu’au mardi 11 octobre.

Il se déroule au cinéma Luminor Hôtel de ville (ex-Latina), rue du Temple, métro Hôtel de ville.

Pour ceux qui s’intéressent de près ou de loin aux langues et aux cultures mexicaines, au cinéma, voici le lien :

http://www.viva-mexico-cinema.org/edition-2016/

Magali Dermont

M2 Didactique des Langues spécialité 1 option A

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Festival international du film des droits de l’homme

A vos places!

C’est parti et c’est à Paris depuis hier!

Un festival des films qui a pour but de défendre la dignité humaine.

Depuis hier jusqu’au 12 avril le Festival présentera 21 longs métrages et 11 courts.

Au programme :

image prise du site du FIFDH
photo prise du site du FIFDH
photo prise du site du FIFDH
photo prise du site du FIFDH

Lieu:

Luminor – Hôtel de Ville

20 rue du Temple

75004

Paris

métro : ligne 1 ou 11 Hôtel de ville ou Rambuteau

Sitographie

http://www.festival-droitsdelhomme.org/paris/

Olga Kourntidou

Titulaire d’une Licence de Russe délivrée par l’Université de Strasbourg, je suis actuellement étudiante en M2 Didactique du FLE/FLS et langues du monde à l’Université de Paris 3- Sorbonne Nouvelle.

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Un regard juste

Au bord du monde

Avant « le regard bienveillant » du film Claudine Bauries et Patrice Chagnard (Les règles du jeu, 2014), on est heureux de trouver dans le documentaire de Claus Drexel Au bord du monde (2014) un regard juste dans les deux acceptions du terme: au sens d’un regard qui rend justice en donnant voix à ces invisibles qui peuplent les grandes villes du monde privilégié, mais aussi d’un regard fin, réel, qui est en accord avec ce qu’il voit.

Il s’agit là d’un dialogue avec des « sans domicile fixe » (ainsi qu’ils se décrivent eux-mêmes à plusieurs reprises) dans la nuit Parisienne. Splendeurs des monuments et sous-sols de la ville Lumière sont mêlés dans ce voyage à l’intérieur d’un Paris qu’on méconnaît volontairement.

Le choix de filmer avec une caméra immobile, toujours placée en bas par rapport au regard des sans-abris ou juste à leur hauteur oblige le spectateur à regarder en face ces hommes et ces femmes qui meublent le décor de notre quotidien.

Connaître l’inconnu : tel semble être la volonté de ce réalisateur qui a pris le parti de ne pas soulager notre curiosité ou justifier notre peur. Le projet n’est pas de comprendre ce qui amène quelqu’un à être exclu de la société, à vivre dans la rue, mais plutôt d’entendre ce que ces personnes riches de leur expérience ont à dire sur le monde et sur la vie.

L’étonnement que provoque en nous l’humanité profonde qui habite ces personnes nous oblige à nous interroger nous-mêmes : et oui, ce sont là des êtres capables de beaucoup plus de réflexion et de sens commun que la plupart des gens que nous connaissons. À la question de ce qui fait leur bonheur nous sommes presque bouleversés de ne pas entendre une seule allusion au matériel qui se dévoile être, par contraposition, le joug sous lequel s’essouffle notre vie. « L’amitié, l’amour, le respect des autres », la grande camaraderie qui surgit de ces bouches fatiguées, durcies par le froid et la solitude problématise l’utilisation que l’on en fait, nous, et surtout, qui en est faite la plupart du temps par le cinéma.

Assassin du cliché et amoureux du réel, le film de Claus Drexel est comme un miroir qui reflèterait notre ignorance et bousculerait notre idée de la société et finalement de nous-mêmes. Une belle secousse.

 

http://www.auborddumonde.fr/?chemin=./home/080-CLAUS-DREXEL&langue=fr

Carla Campos Cascales

Diplômée de lettres modernes à l’Université de Paris III-Sorbonne Nouvelle après une double licence en philosophie et lettres à l’université Paris I-Panthéon-Sorbonne, actuellement en master de recherche en sciences du langage (Didactique du Français Langue Etrangère et Langues du Monde) à l’université Paris III. Intéressée par la transmission et la réception de la langue et la littérature ainsi que par le rôle et l’activité du lecteur.

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Le regard « bienveillant »

 Juste à côté de chez nous, au cinéma Reflet Médicis, a eu lieu cette semaine une projection du film Les règles du jeu de Claudine Bauries et Patrice Chagnard. Ce film se présente comme un « documentaire » : l’intention était d’« accompagner » pendant huit mois un groupe de jeunes en difficulté bénéficiant d’un contrat d’autonomie (plan du gouvernement adressé au jeunes des quartiers défavorisés pour les aider à chercher un emploi) et les conseillers qui les préparent à être « job-ready ». Tout cela au sein de la société privée Ingeus, entreprise soutenue par l’état en raison de ses bons résultats en ce qui concerne l’insertion dans le monde du travail de jeunes issus de zones dites prioritaires et ayant entre 18 et 25 ans. Les réalisateurs, déjà reconnus pour Les Arrivants (2010) engagent un regard difficile et délicat : ils filment des personnes provenant du Nord Pas de Calais qui ont abandonné tôt les études ainsi que tout espoir de trouver un travail et qui connaissent de lourdes difficultés dans des familles déstructurées.

Le fait de revendiquer leur film comme un « documentaire » fait émerger une question qui serait moins sérieuse s’il s’était modestement (et peut-être honnêtement) désigné comme fiction.

Dès les premières images, on est bouleversé par la place que prend la construction d’une intrigue : les gros plans sur les personnages lors des entretiens, la recherche photographique très poussée de la caméra, le choix de personnes qui deviennent des personnages, incarnant malgré eux le cliché d’« une vie pourrite » comme dit Lolita, une des jeunes, en parlant de la sienne ; des personnes qui ont du mal à ne pas jouer devant cette caméra qui entre dans leur réalité et qui, malgré ce qu’a affirmé Patrice Chagnard après la projection, ne se fond pas dans l’environnement « comme une photocopieuse », sinon au moins un des invidividus aurait osé, ne serait-ce qu’une seconde, fixer l’objectif…

Un manque de distance et une recherche esthétique qui problématisent cette auto-catégorisation générique du « documentaire ». S’il est vrai qu’aucun documentaire n’est entièrement neutre et que la marque du réalisateur est inévitablement posée sur son œuvre, c’est le fait de dénier cette participation active qui est inquiétant. Soutenant énergiquement que leur place dans l’entreprise était de seuls observateurs, qu’ils n’ont jamais rien demandé aux personnes filmées, qu’ils se fondaient parfaitement dans le décor, les réalisateurs semblent avoir oublié que, ne serait-ce que dans leur découpage du film, dans leur choix de certains plans plutôt que d’autres, dans l’insistance sur certains détails et surtout dans leur attitude envers les participants qu’ils ont qualifiée de « bienveillante et sans jugement », ils ont plus qu’arrangé une réalité qu’ils s’étaient proposés de présenter telle quelle.

Le problème qui germe derrière ce refus de toute intentionnalité et même responsabilité est celui de ne pas reconnaître que la vie de ces jeunes (leur présentation, leur langage…) est passée sous un certain angle (et finalement, un angle assez fermé). La limite entre la bienveillance et la condescendance s’est montrée trop fine et la parole des personnages a arrêté d’être voix pour devenir scénario d’un film dramatique.

Difficile de ne pas se souvenir de ce texte d’Éric Chauvier (Anthropologie de l’ordinaire – voir http://ver.hypotheses.org/1278 ethttp://arlap.hypotheses.org/2674) dans lequel s’expose le texte sur la découverte, de la part de l’anthropologue Evans-Pritchard, du « mauvais esprit Nuer » : menant une enquête chez ce peuple Africain, il nous présente une conversation qui aurait eu lieu en dehors de l’enquête elle-même, comme s’il s’agissait des coulisses qui dévoilent un secret. Chauvier nous fait le résumé de la lecture de ce passage telle qu’elle s’est toujours faite : « De toute évidence, l’indigène rétif cherche à manipuler l’anthropologue afin que celui-ci ne parvienne pas à percer ses secrets. Par extension, il semble aller de soi que tous les Nuer sont des manipulateurs. ». Ce que Chauvier nous invite à faire ensuite, c’est à « débusquer les latitutes interprétatives » de la thèse de Pritchard, latitudes que l’anthropologue lui-même refuse de voir, puisqu’il présente son idée comme une thèse objective valable pour tous les Nuer.

Evans-Pritchard croyait avoir donné et pris la parole à ses « informateurs » en donnant à voir de façon objective une donnée empirique ; mais il avait en fait tronquée, scindé, réduit la voix des acteurs de son enquête précisément parce qu’il n’a pas tenu compte de cette conversation comme d’une partie de l’enquête elle-même : il n’a pas été critique à ce moment-là. En refusant de prendre une posture critique non pas envers le Nuer mais envers son attitude même, envers ce qu’il était entrain de faire lorsqu’il participait de ce dialogue, il a trouvé dans les mots de cet informateur ce qu’il avait finalement voulu y voir.

De façon tristement analogue, cette étrange position d’observateurs invisibles dont se réclament les réalisateurs des Règles du jeu, nie les intentions préalables et l’interprétation de la réalité qui a surgi de cette « bienveillance » que ceux qui étaient derrière la caméra n’ont pas su identifier. Voulant mettre en avant la difficulté d’une certaine nouvelle génération à acquérir le langage technique d’un monde duquel ils se sentent exclus, et en croyant dévoiler quelque chose de particulier, ils ont en fait généralisé une thèse autour du manque d’espoir que peut avoir une certaine catégorie sociale : si on suit leur regard en tant que spectateur de la même façon que beaucoup ont lu le texte d’Evans-Pritchard en suivant son attitude, difficile de ne pas stigmatiser le langage ordinaire de ces jeunes et leur situation.

Il est compliqué alors de recevoir ce « documentaire » sans en interroger les douteuses intentions qui émergent du refus d’admettre ses « latitudes interprétatives ». D’une certaine façon, on pourrait dire qu’il s’agit d’un film « sourd » à la réalité.

Carla Campos Cascales

Diplômée de lettres modernes à l’Université de Paris III-Sorbonne Nouvelle après une double licence en philosophie et lettres à l’université Paris I-Panthéon-Sorbonne, actuellement en master de recherche en sciences du langage (Didactique du Français Langue Etrangère et Langues du Monde) à l’université Paris III. Intéressée par la transmission et la réception de la langue et la littérature ainsi que par le rôle et l’activité du lecteur.

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